"sierra madre" 1998,  Yeardley Leonard, acrylique sur toile, 122 x 183 cm

Les toiles intimistes, par leur dimension comme par leur atmosphère, de Yeardley Leonard, évoquent certains aspects du milieu naturel sans pour autant les représenter de façon objective. Ses tableaux transforment l'information visuelle sur le monde extérieur en un code pictural personnalisé, étonnament nuancé, qui exprime l'essence de la nature plutôt que son apparence. Ce sont les équivalences qui l'intéressent, et elle utilise formes et couleurs pour avancer sur l'étroite frontière qui sépare l'abstraction de la figuration, suggérant au bout du compte que cela peut être la même chose.

 "Photomaton" Frédérique Louisa, photographie 

Questions d'objets / Frédérique Louisa

Du 11 novembre au 11 décembre 2009

Galerie octObre

24, rue René Boulanger

75010 Paris



"Dans ce photomaton du quai de Valmy, importé de Berlin, les photos témoignent d'une autre époque. C'est ci que les objets qui ne me servent plus mais que j’aime prennent leur envol. Ils deviennent motifs. (...) Je trouve ça drôle des objets qui se déplacent pour se tirer le
portrait." FL

Frédérique Louisa nous fait traverser le miroir de sa mémoire et nous entraîne dans un monde sensible et maîtrisé oů la forme et l'espace sont rois. Frédérique Louisa donne la réponse à la question "to be or not to be ?".

Cette exposition de photomatons  en disent long : sur le temps et le devenir, l'identité et les coups de pied qu'il faut se donner pour avancer libres et sans entraves. Ce travail d'une jeune artiste de 21 ans nous ouvre un chemin et nous transforme.

"Practice Resurrection" 2004, Yeardley Leonard
Acrylique sur toile, 141 x 122 cm 

Yeardley Leonard développe les géométries rectilignes et les palettes de dynamiques de ses peintures antérieures.

Vue de l'exposition des oeuvres de Heardley Leonard à la galerie Elisabeth Dee à New York en 2004.

"In the Garden (Au jardin)" 2004, Yeardley Leonard 

acrylique sur toile, 61 x 45,7 cm, collection Christopher Hamick, New York

En 2004, à l’ère du numérique, Yeardley Leonard livre des quadrillages colorés, semblables à des images pixelisées à l’extrême.les couleurs se sont pixellisées pour Yeardley Leonard. Elle fractionne les couleurs du paysage environnant en formes géométriques très colorées, qui font penser aux premières oeuvres abstraites de Kelly.

Yeardley Leonard à Dee/Glasoe

La Peinture de 1946 est un grand travail qui est venu pour être reconnu comme un des chefs-d'œuvre de Francis Bacon. La chair est une partie majeure du travail, qui a continué à devenir un thème central partout dans le reste de sa carrière. Même ses portraits ont pris une apparence de chair qui pourrait même être accroché facilement dans une boucherie.

Francis Bacon 

William Turner

Le Lorrain, Canaletto, Poussin, Rembrandt, Rubens furent parmi les plus grands maîtres auprès desquels Joseph Mallord William Turner nourrit sa passion de la peinture, puisa son inspiration, développa son génial désir de peindre. L'exposition 'Turner et les maîtres' vient éclairer le complexe et passionnant processus de formation du regard, d'inspiration, de dialogue, d'affirmation de son génie personnel, de continuité et de rupture dans lequel l'un des plus grands peintres de tous les temps s'engagea toute sa vie. L'exposition rassemble plus de cent oeuvres de premier ordre et en provenance des collections du monde entier. Elle réunit, souvent pour la première fois, les oeuvres de Turner et celles de ses prédécesseurs : Canaletto, Le Lorrain, Cuyp, Poussin, Rembrandt, Rubens, Ruisdael ou Van de Velde. Mais le parcours établit également des paires avec les oeuvres de ses contemporains : Bonington ou Constable. Toutes ces associations éclairent la façon dont Turner dialoguait avec ses pairs, leur rendant hommage tout en développant une forme sophistiquée de critique, en vue de montrer à la fois sa compréhension du plus grand art, mais aussi sa capacité à l'égaler si ce n'est à le dépasser, notamment en ce qui concerne la peinture de paysage.

"Buste" ca 1990, Eugène Leroy, Huile sur toile, 81 x 65

Musée des B-A Eugène Leroy Tourcoing

Laboratoire et donation Eugène Leroy

Musée des Beaux-Arts Eugène Leroy Tourcoing

à partir du 19 septembre 2009

Le musée des Beaux-Arts change de peau et devient le musée des Beaux-Arts Eugène Leroy. Cette mutation fait suite à l’importante donation réalisée à l’été 2009 par les deux fils d’Eugène Leroy né en 1910 à Tourcoing, Eugène Jean et Jean-Jacques. Elle est composée de plus de 600 œuvres et archives : tableaux de toutes les périodes couvrant les années allant de 1940 à 2000, dessins, gravures, carnets de croquis, sculptures ; certaines œuvres n’ayant jamais été montrées, gardées jalousement par leur père. « À sa mort en 2000, mon père nous a laissé son atelier, tout le travail en gestation et son jardin secret : des toiles de jeunesse, des carnets de dessins, des gravures… des choses qu’il ne montrait à personne. Nous avons souhaité conserver l’ensemble dans un lieu de référence où vivrait l’âme de Leroy. Nous aurions pu disperser ses cendres, nous préférons être des passeurs », témoigne Eugène Jean Leroy. Au sein du musée de Tourcoing, aménagé comme un espace ouvert et visible par le public, "le Laboratoire" conservera physiquement la totalité des œuvres et archives données. Il se situera au milieu même des galeries d’exposition des collections permanentes du musée. Il permettra de faire partager l’événement exceptionnel que constitue l’étude scientifique et historique de cette importante donation, ainsi que la restauration des œuvres confiée à Grazia Nicosia, avec le soutien de la Fondation BNP Paribas. Conservateur restaurateur, spécialiste de l’œuvre d’Eugène Leroy, Grazia Nicosia a longuement travaillé sur la nature de la matière peinte chez Leroy. Elle est l’auteur de nombreuses communications sur l’aspect si particulier de cette peinture, faite de « strates colorées » qui sont en réalité l’expression de la « quête plastique » du peintre pour parvenir à la restitution de la lumière. En octobre 2010, une grande exposition marquera le centenaire de la naissance de l’artiste à Tourcoing et sera assurée par deux commissaires d’exposition invités qui entretiennent de longue date une relation complice avec l’œuvre d’Eugène Leroy : Jan Hoet et Denys Zacharopoulos, commissaires de nombreuses expositions de Leroy (Gand, Bâle, Dokumenta, domaine de Kerguehennec). Une exposition thématique à laquelle feront échos divers événements dans plusieurs musées français et étrangers et qui témoigneront du rayonnement international de l’œuvre atypique d’Eugène Leroy. À l’issue de cette manifestation, le musée procédera à un réaménagement des ses salles permettant d’accroître les surfaces d’exposition et l’aménagement d’un centre de recherche autour des Archives de Leroy. La fin des travaux est prévue pour 2013. Marie-Ange Dutartre

Sous l'oeil expert de Grazia Nicozia, conservatrice - restauratrice, spécialiste de la spécificité de la peinture d'Eugène Leroy

Eugène leroy vu de dos, photographie de Marina Bourdoncle, sa compagne.

Né en 1910 à Tourcoing, Eugène Leroy a vécu et travaillé la majeure partie de sa vie dans la banlieue de Lille où il réalise sa première exposition personnelle en 1937. Il connaît une reconnaissance tardive mais son œuvre finit par s’imposer internationalement. Grâce au soutien fidèle du galeriste allemand Michael Werner, son travail est régulièrement exposé à Cologne au début des années 80, puis à New York et Berlin, et à la Galerie de France à Paris depuis 1990. Exposé par des musées importants : Gand (1982), Eindhoven (1986 et 1988), ARC, Musée d’art moderne de la Ville de Paris (1988), Musée d’art contemporain de Nice, (1993), Bâle Kunsthalle (1997), Toronto (1999), Buffalo (USA, 2000), Düsseldorf (2000), son œuvre est consacrée par sa présence à la Documenta IX de 1992. Le Musée national d’art moderne, Centre Georges Pompidou, a présenté la dation Eugène Leroy en 2004-2005. Le Musée national d’art moderne de la ville de Paris (l’ARC) a inauguré en 2008 une salle permanente au sein de ses collections permanentes. Eugène Leroy est mort à Wasquehal, près de Lille en 2000.

"Migraine" 2004, Philippe Perrot, huile et bétadine sur toile

97 x 197 cm, collection MOCA, Los Angeles

Philippe Perrot peint aussi bien des secrets de famille que des scènes issues de l’expérience fragmentée de la vie quotidienne. Ses tableaux, peuplés de personnages souvent informes, anguleux et caricaturaux, burlesques, déconcentrent avec leur perspective renversée et leur structure chaotique le regard, l’obligeant à s’y aventurer à sa guise. Percés de trous inquiétants, de plaies encore ouvertes, disproportionnés ou encore démembrés, ses personnages s’entourent d’êtres monstrueux, de matières organiques ou d’objets quotidiens, devenus ici des motifs, chargés de valeurs symboliques. V.Th.

Cette attirance pour la mort est présente dans Migraine où un pied, inexplicablement, est exhumé. Dans tous les tableaux de Perrot, les pulsions de mort étouffent les pulsions de vie, Thanatos l'emporte sur Eros. 
Le peintre utilise la couleur jaune soufre. Il affirmait avoir "trouvé, il y a des années, aux pieds d'un immeuble, une traînée de poudre jaune soufre pour empêcher les chiens d'uriner", une métaphore qui colle à ses récits.
Ce jaune l'empêche-t-il d'aller uriner sur les tombes ou sur les souvenirs de certains membres de sa famille? Ou, encore, est-il le coup de projecteur qu'un enquêteur de police mettrait sur le visage d'un suspect pour le faire avouer, comme Philippe Perrot le suggère?

"Sans titre" 2009, Bernard Voïta, jet d'encre sur papier et sur verre, 93 x 134 cm

Bernard Voïta

Paysages ahah
17 oct.-14 nov. 2009

Paris 3e. Galerie Jean Brolly

Pour son exposition «Paysages Ahah», Bernard Voïta présente à la galerie Jean Brolly un ensemble de photographies en noir et blanc et utilise, pour la première fois, la couleur.

«Ahah» ou «haha» est une interjection qui existe depuis le XVIIIe siècle pour designer une surprise ou un événement dans un jardin. On prétend que le fils de Louis XIV, dit le Grand Dauphin, a fait donner ce nom à cette sorte d'ouverture qu'il aperçut pour la première fois dans les jardins de Meudon, et au sujet de laquelle il s'écria dans sa surprise: «ah ! ah !». Il s'agit en réalité d'un artifice visuel, d'un fossé creusé entre le jardin et le paysage alentour supprimant ainsi la coupure entre le jardin (lieu privé) et le paysage (espace public).

Composant des images formelles et minimalistes, Bernard Voïta invente un vocabulaire photographique et plastique, et questionne la friction entre le réel et l'artifice, ce que l'on voit (ou croit voir) et ce qui est vraiment.
La superposition de deux images, l'une, imprimée sur verre (une photo trouvée représentant une vue d'extérieur), l'autre sur papier (une photo construite dans l'atelier à partir de matériaux de récupération) produit un effet d'étrangeté et une mise en volume du tableau photographique.

L'illusion opère sur le regardeur qui ne peut tout à fait reconstruire l'image, son origine, sa source. De tout cela reste une impression de pure fabrication, de bricolage, de désordre. Saisissantes de par leurs cadrages, les photographies de Bernard Voïta deviennent des objets étranges non identifiables. Les filtres déposés sur les images, telles des pellicules très fines, disent tout un espace mental et virtuel.

Assemblages d'objets divers (des chaises, du matériel photographique, des pièces détachés, des ustensiles, etc.) ramassés dans la rue et finement agencés afin de composer de micro-architectures, vision en vert et rose d'un extérieur insituable, l'artiste manipule les codes de la mise en représentation. Ses images sont autant de mises en scènes élaborées et irréelles.

Jouant des perspectives et des échelles, du contraste entre le flou et le net, l'œuvre de Bernard Voïta s'explore, se parcourt du regard et questionne nos rapports à l'espace. La tridimensionnalité surgit des profondeurs de champ et des lignes de fuites, et la zone photographiée devient un espace fictif très construit, labyrinthique même. Véritables paysages colorés, les photographies sont des objets sculpturaux et charnels. Et cela malgré l'absence d'humains, de corps chauds.

Avec humour et poésie, Bernard Voïta modifie nos perceptions immédiates. Les objets déplacés de leurs fonctions initiales deviennent les protagonistes de fictions composées et élaborées par l'artiste. Brouillant les pistes et le regard du spectateur, l'œuvre de Bernard Voïta agit et questionne l'endroit même de la photographie.

"Ma peinture est la représentation d’une expérience à la portée de tous. Elle est populaire. (C’est l’enfance de l’art.)”

Bernard Piffaretti, va et vient/come and go, Fondation Cartier pour l’Art Contemporain, Actes Sud, Paris, 2000.

Bernard Piffaretti fait partie de la génération de peintres qui a interrogé de manière parfois polémique la fonction et la question du style en peinture. Son oeuvre, dans laquelle le sujet est souvent dédoublé, se constitue sur un mode essentiellement analytique ; chaque toile est singulière, seule la stratégie générale est prédéterminée. La singularité de son oeuvre, manifestée par la froideur en même temps que par la liberté expressive de ses motifs, consiste dans l'invention constamment en marche d'une peinture autonome à égale distance de l'abstraction et du figuratif.