"Sans souci" Isabelle Cornaro

Cheveux et papiers assemblés, 47 x 67 cm, 2005, collection de l'artiste 

                         "Ralph III"  Georg Baselitz

Huile sur toile, 100,5 x 80 cm, 1965, collection Centre Georges Pompidou, Paris

Originaire de l'Allemagne de l'Est, Georg Baselitz (né en 1938) grandit dans les locaux de l'école élémentaire où son père est professeur. C'est dans la bibliothèque de l'établissement que le jeune garçon découvre sa passion pour l'art, notamment en feuilletant des albums de dessins du XIXe siècle. Dès l'âge de 15 ans, il peint des portraits, des paysages, des natures mortes ; on peut déjà déceler dans ses peintures un style futuriste. Il étudie la peinture et fait la rencontre de futurs artistes comme Peter Graf ou Ralf Winklr. Georg Baselitz est par contre expulsé de l'école our 'immaturité socio-politique' après seulement deux semestres et sa première exposition solo à Berlin en 1963cause un scandale : certaines de ses peintures sont confisquées pour atteinte à l'ordre public. Les oeuvres de Georg Baselitz - comme celles de ses amis Lupertz, Immendorf et Penck - sont censurées jusqu'à la fin des années 1970. Georg Baselitz est connu pour son originalité absolue : il peint... à l'envers. Ses larges et longs coups de pinceaux font entre autres écho aux sources de l'expressionnisme allemand du début du XXe siècle tout en se démarquant de l'expressionnisme américain abstrait des années 1950.

           Le Visage qui s'efface

La manifestation de l'Hôtel des Arts à Toulon réunit, du 20 septembre au 23 novembre 2008, une soixantaine d'artistes qui proposent chacun leur vision de ce sujet inépuisable qu'est le visage (Giacometti, Klee, Fautrier, Michaux, Dubuffet, Baselitz, etc .). "Le Visage qui s'efface" se veut un bilan de la transformation radicale de la représentation de la figure humaine au XXe siècle, surtout dans sa seconde moitié. Considéré depuis toujours comme le noyau dur de la ressemblance, le visage y abandonne toute aspiration à être encore le reflet de l'apparence qui est la nôtre. Singularité, 'miroir de l'âme' ou miroir social, toutes ces distinctions semblent s'effacer partiellement quand l'art commence à douter de sa capacité à capter l'être humain.

Erik Dietman, par exemple, présente un autoportrait intitulé « Capote brûlée » où après avoir gribouillé un dessin, il brûle une capote (usagée ?) afin de la rajouter dans son œuvre. Il est intéressant de voir comment de grands artistes comme Dubuffet ou Aillaud se sont représentés. Mais on découvre aussi d'autres pratiques captivantes comme celle de Ghela Scharfstein ou Dieter Appelt. Ce dernier présente des séries de photographies en noir et blanc où il se met lui-même en scène face au miroir et maquillé. De son travail, inspiré des études photographiques de Muybridge, émane une vraie recherche sur le temps et le mouvement. 

"La fée électricité"  Huile sur contreplaqué, 250 panneaux, 1000 × 6240 cm, 1937, Don d'Electricité de France, 1954

Mise en lumière à Paris de l'oeuvre de Raoul Dufy

Le Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris accueille

une rétrospective consacrée à Raoul Dufy

du 17/10/2008 au 11/01/2009

Le musée d'art moderne de la Ville de Paris - dont l'objectif est de "remettre au premier plan un artiste trop vite jugé", selon Fabrice  Hergott, directeur du musée et commissaire général de l'exposition - remet à l'honneur Raoul Dufy (1877-1953) et présente 120 peintures, 90 dessins, gravures, livres illustrés, céramiques ou tissus.

Raoul Dufy  a été "très célèbre de son vivant puis sa réputation a  considérablement décliné dans les années 70, quand le regard s'est modifié. Il n'était pas suffisamment radical", précise Fabrice Hergott.

Le titre de l'exposition est tiré d'une phrase de Gertrude Stein,  collectionneuse de Picasso, mais aussi de Dufy: "Raoul Dufy est plaisir",  écrit-elle en 1946, pour évoquer le "joie de vivre" exprimée dans la peinture de l'artiste, toute de couleurs, de formes légères, d'arabesques.

Le musée d'art moderne de la Ville de Paris possède une riche collection de cet artiste, dont la monumentale Fée Electricité, tableau de 600 m² en 250 panneaux est abrité de manière permanente dans une salle qui lui est dévolue, et termine l'exposition.

Raoul Dufy, natif du Havre, a participé au début du siècle à l'aventure de l'art moderne. Après un passage par le fauvisme, il se rapproche un temps du cubisme mais ajoute aux compositions qu'il peint au côté de Braque, des balustrades, des palmes. "Malgré tous mes efforts (...), mes études, celles que je préfère, prennent un tour décoratif", dit-il alors.

Dufy s'intéresse à l'art populaire, grave un bestiaire tiré des livres  médiévaux pour illustrer un ouvrage d'Apollinaire, créé des céramiques, s'intéresse à la mode. Sa rencontre avec le couturier Paul Poiret en 1909 amènera l'artiste à dessiner des tissus, aux superbes motifs floraux. Plusieurs  d'entre eux, ainsi que quelques robes, sont exposés.

Le monde de Dufy est un monde idéal, peuplé d'une humanité idéale, il veut représenter un "monde de parade". L'oeuvre pour lui "doit évoquer la joie de vivre. Il ne veut pas cacher le malheur mais le tenir à distance", précise Fabrice  Hergott. A la fin de sa vie, sa peinture se fera plus noire et sa palette s'assombrira.

Mettre en valeur le rôle de l'électricité dans la vie nationale et dégager notamment le rôle social de premier plan joué par la lumière électrique", tel était l'objectif de la commande passée à Dufy en juillet 1936 par la Compagnie Parisienne de Distribution d'Electricité. Il s'agissait de réaliser un vaste décor (600m2) pour l'un des deux halls du Pavillon de l'Electricité et de la Lumière construit par Robert Mallet-Stevens à l'Exposition internationale de 1937. Exécutée très rapidement, grâce à l'utilisation du médium mis au point par le chimiste Jacques Maroger et à la projection lumineuse sur le support définitif des esquisses par le biais de clichés-verre, La Fée Électricité avait été précédée d'une ample et minutieuse campagne de documentation. La composition générale du décor témoigne de la part de Dufy d'une surprenante déférence à l'égard des modèles académiques.

Reprenant un dispositif souvent fréquenté depuis La Dispute du Saint-Sacrement de Raphaël, Dufy répartit deux foules de savants (110 en tout) de part et d'autre d'un motif central, ici les dieux de l'Olympe trônant au dessus de l'ultra-moderne centrale électrique de Vitry-sur-Seine, dont Dufy avait ramené de nombreuses études.
Il est vrai que cette référence à l'Antiquité était suggérée par le programme rédigé par les dirigeants de la C.P.D.E. qui citait Lucrèce et son De natura rerum, que l'artiste s'est empressé de relire.
Par ailleurs, chaque savant, identifié par une inscription, a été précédé de plusieurs études, le représentant nu, puis habillé, suivant la méthode employée par le David du Serment du Jeu de Paume.
Plus séduisant, le registre supérieur se déroule à la façon d'un panorama (se lisant de droite à gauche), parti déjà adopté par l'artiste pour la salle à manger du docteur Viard (un Itinéraire de Paris à la mer et à Sainte-Adresse), et qu'il reprendra bientôt pour le bar du Palais de Chaillot.
Composition essentiellement rhapsodique, tissée d'images d'origine documentaire, La Fée Electricité, si elle recycle des thèmes anciens de l'œuvre de Dufy, comme La Rue pavoisée, en introduit aussi de nouveaux : orchestre et dépiquage y font leur première apparition.
Si nous ne portons plus à cette ode plutôt conservatrice au progrès technique l'admiration sans réserve de ses premiers exégètes, La Fée Électricité reste une courageuse tentative de renouveler un genre, le grand décor à visée apologétique, promis à une rapide déshérence.

Commencée en avril 1936 et terminée en 1937, Raoul Dufy réalise, pour le Pavillon de l'Électricité de l'Exposition Internationale, la plus grande peinture existant au monde sur un support indépendant : La Fée Électricité d'une superficie de 624 m². La peinture est formée de 250 panneaux de contreplaqué de 2 m de hauteur sur 1,20 m de largeur, sur lesquels il peint avec une peinture à l'huile très légère, donnant une illusion de gouache. Les personnages sont dessinés à l'encre de chine puis les couleurs sont replacées par dessus. Ce tableau avec ses 624 m² a longtemps été le plus grand tableau du monde mais a été détrôné depuis.

Les personnages, au nombre de 110, sont répartis en deux foules de savants, d'Aristote à Pierre Curie, dont les travaux sont associés à l'essor de l'électricité. Le motif central représente les Dieux de l'Olympe trônant au-dessus de l'ultra-moderne centrale électrique de Vitry-sur-Seine, dont Raoul Dufy avait ramené de nombreux documents. Le registre supérieur se déroule à la façon d'un panorama (se lisant de droite à gauche). On peut y voir de nombreuses scènes de moisson, de navigation, d'industrie...

Le financement de l'œuvre est réalisé par Électricité de France. En 1954, EDF en fait don à la ville de Paris. Elle est aujourd'hui visible dans une salle dédiée du Musée d'art moderne de la ville de Paris.

"Portrait d'un ciel"  2008, livre d'artiste, 16m long x 2m de haut

              Exposition Jane le Besque et poèmes de Joël Bastard
                                   4 octobre au 16 novembre 

                          Centre d'Art Contemporain de Lacoux
                                          "l'école" - Lacoux
                                  01110 Hauteville-Lompnes

   Au Centre d'Art, l'exposition « Catalogue Ciddle1 » présente un panel inédit d'œuvres mises en espace dans une perspective de narration libre : chaque pièce se déploie dans une identité propre ; tous nourrissent une histoire extraordinaire, inachevée.

Les créations s'épanouissent sous une variété de formes : allant des suggestions de mets culinaires personnalisés issus directement de l'imaginaire foisonnant de l'artiste (cf. « un soufflé de pollen », livre de dessins et de recettes) à des peintures matérialisées en assiettes et disposées en « envolée » sur la surface murale du Cacl. Objets usuels détournés à des fins artistiques, l'ensemble est composé d'éléments aussi prégnants qu'uniques. Connotations humori stiques, le propos est décalé..Sans doute une recette anglaise du bonheur (..).

S'inspirant de son environnement proche et de ses accointances « botaniques » (potager, salades...), Jane Le Besque multiplie les supports, joue avec les usages, et bouscule sa pratique en explorant des univers étonnants.

Monstration d'un travail singulier où la lettre et l'image prévalent et se mettent en scène sous des formes originales (collage frontal, aquarelle à grande échelle, livre illustré..), L'exposition projette dans un monde intime où l'infiniment petit côtoie le démesuré.

Jane Le Besque travaille depuis quelques années avec un poète français, Joël Bastard, autour de l'illustration de ses livres de poèmes. Insectes, lumières reflétées, bois et végétation constituent l'espace dans lequel, depuis 2002, le peintre et le poète voyagent de façon indépendante et toutefois complice. En résultent des « leporello » (livres d'artistes) de taille s variables, dont « le portrait d'un ciel » une installation de 14 panneaux illustrés d'une rêverie poétique où le végétal s'émancipe sur 16 m de long et 2 m de haut au sein de l'aire centrale du Cacl. S'y adjoignent d'autres livres dessins, d'autres histoires à découvrir.

En parallèle de ces travaux liés à la poésie sont dévoilés divers tiroirs de la mythologie personnelle de l'artiste dont certaines visions futuristes.

Infiniment grand, origine du monde, tout est bousculé. Un effet de résonance atypique est généré par la rencontre entre le microcosme de Jane Le Besque et l'architecture interne du centre d'art, un écrin situé à flanc de montagne en milieu naturel qui, de ses surfaces murales aux revêtements de ses sols, laisse passer et souffler librement un vent d'excentricité britannique, aussi léger que réflexif...

A l'occasion de cette exposition, un catalogue éponyme est publié ainsi que deux livres d'artistes « Entre le coute au et la fourchette », « Le portrait d'un ciel ».

http://www.centre-art-lacoux.com

La peinture de Monticelli fut l'une des premières découvertes artistiques de Vincent arrivant à Paris en 1886 (date de la mort de Monticelli).

Ce sera l'un des éléments clefs de sa décision de venir séjourner en Provence. On apprend dans ses correspondances que Van Gogh se rendait à Marseille lorsqu'il s'est arrêté pour son fameux séjour arlésien. 
Il venait y rencontrer les thèmes, la couleur et la matière travaillés "en plein jaune orangé en plein soufre" (selon l'expression même de Van Gogh), par le peintre marseillais : la lumière du midi, les champs écrasés de chaleur, la primauté de la sensation sur le motif.
L'exposition se propose de montrer en parallèle ces sujets qu'ils ont tous deux traités afin de mettre en évidence leur conception de la peinture.

                   Karin Bubas
A Short History of Subjects and Objects

Du 24 septembre au 20 novembre 2008
   au Centre culturel canadien à Paris

Inaugurée dans le cadre de la Semaine des cultures étrangères, l'exposition A Short History of Subjects and Objects de Karin Bubas présente l'oeuvre de cette jeune photographe de Vancouver. Cette première exposition personnelle de l'artiste en France est produite par le Centre culturel canadien en partenariat avec Monte Clark Gallery (Vancouver & Toronto).

L'exposition de Karin Bubas réunit un ensemble substantiel de la série Studies in Landscape and Wardrobe (2006), avec laquelle dialoguent des oeuvres du projet Ivy House (2003). En instaurant une relation ouverte entre les paysages peuplés d'une présence féminine fortement codée et ce qu'on pourrait considérer comme le « portrait d'une maison », cette exposition convie le spectateur à une expérience réflexive et émotive pleinement ancrée à l'histoire de l'image contemporaine. Entre portrait et paysage, entre image photographique et cinéma, mais aussi entre le sublime et le quotidien, Karin Bubas oeuvre à créer des lieux hantés par nos habitudes de perception et nos réactions imaginaires face à des représentations-types. L'univers de Karin Bubas joue avec le mystère mais tout autant avec les clichés et nous confronte de manière magistrale à la conscience que nous avons de notre rapport aux images. Le tout, en jouant avec les codes d'une somptuosité nostalgique qui s'incarne notamment dans une image idéalisée de la femme et dans les secrets d'une demeure victorienne.