Assiette de fruits et bouquet de roses à l’atelier 1927, Jean Dufy, huile sur toile, 73 × 92 cm, collection particulière

Entre influence réciproque et rejet de l’autre, cette exposition sur Raoul et Jean Dufy met en lumière la complexité des rapports entre les deux frères. L’ainé, Raoul Dufy, est un peintre ayant fourni au fauvisme quelques très belles plages colorées. Sa peinture se caractérise par de larges aplats vifs et une simplification des formes influencée par le cubisme, les deux - dessin et couleur - trouvant leur autonomie l’un par rapport à l’autre. Jean Dufy, plus traditionnel dans son traitement de l’espace, notamment dans le recours à la perspective, utilise une palette plus chaude que son frère, rappelant les tableaux de Cézanne. Après avoir exposé les différences plastiques entre les deux artistes, le musée met en avant leurs similitudes dans le choix des sujets. La côte normande, d’où ils sont originaires, la vie parisienne et ses cabarets ou encore la fenêtre ouverte sur le monde extérieur sont autant de thèmes communs aux Dufy. Enfin, La Fée Electricité (1937), ode picturale à la vie moderne, est l’unique tableau créé à quatre mains, à l’occasion de l’Exposition Internationale de Paris. Raoul s’en attribuant la paternité exclusive, les deux frères se brouillent définitivement et ne se parlent plus jusqu’à la mort de Raoul en 1953, même si leur styles convergent parfois, à l’image des vues de Nice réalisées à partir de 1945.

Pauline Mirete

"Intérieur à la fenêtre" 1928, Raoul Dufy, huile sur toile. 66 x 82 cm, collection particulière

Raoul et Jean Dufy,

Complicité et rupture

Musée Marmottan Monet, Paris

Du 14/04/2011 au 26/06/2011

Le musée Marmottan Monet organise pour la première fois en France une exposition consacrée à Raoul (1877-1953) et Jean (1888-1964) Dufy. Si l’on connaît bien l'œuvre de Raoul, celle de son frère Jean, peintre lui aussi, l’est moins. Cadet de 11 ans, Jean se forme à la peinture entre 1906 et 1914, encouragé par son frère qui participe alors aux aventures fauve et cubiste. À partir de 1920, date de ses premières peintures, Jean produit une œuvre riche et partage avec Raoul des préoccupations artistiques communes.

Les frères sont proches et entretiennent une correspondance régulière. Raoul et Jean développent des parcours parallèles et collaborent peu, à l’exception notable de La Fée électricité qui est aussi l’objet de leur rupture en 1937. Chacun d’eux crée une œuvre abondante (environ 2500 pièces), structurée en séries, traitant de thèmes plaisants, rendus par un sens de la couleur auquel on les identifie l’un et l’autre.

Regroupant une centaine de peintures, d’aquarelles et de céramiques provenant de musées et de collections particulières du monde entier, l’exposition cherche à mettre en évidence les liens qui unissent l'œuvre de Jean à celle de Raoul comme ce qui les singularise l’une de l’autre. Esquissant en préambule les périodes fauve et cubiste de Raoul, le parcours présente ensuite des grands thèmes communs aux deux frères et propose de comparer leur peinture : mer, fenêtres ouvertes et ateliers constituent la première partie du parcours ; puis les thèmes se singularisent à travers deux sections parallèles : à la palette chaude et à la touche vibrante des cirques peints par Jean répond la musique évoquée par Raoul ; aux courses et paddocks de Raoul font ensuite face les allées cavalières de Jean ; enfin, les tableaux ayant pour thème Paris et Nice sont consacrés aux œuvres tardives des deux frères et soulignent une évolution commune vers un style graphique initié par Raoul et subtilement revisité par Jean.

Cette exposition s’inscrit dans le champ des études dédiées à la filiation dans l’art et des manifestations qui lui sont consacrées depuis dix ans. Elle propose une lecture croisée de l'œuvre des deux frères et permet de mieux situer la peinture de Jean Dufy.

"Composition en rouge, jaune et bleu" 1921, Piet Mondrian, Huile sur toile, 80 X 50 cm, Gemeentemuseum, La Haye

"Composition" 1947, Georges Folmer, huile sur toile, 73 x 60 cm

C'est l'une des dernières  peintures de Folmer  utilisant des couleurs organiques, les couleurs terreuses, ici imitant le bois et d'autres modèles naturels  et des textures. Par la suite ses couleurs froides, le gris et noir et le bleu pâle, dissocient délibérément ses sujets de la nature.
L'effet de prendre un objet en apparence naturelle et de le rendre si artificiel confère automatiquement la saveur du surréalisme. Mais la composition fortement architecture est typique du travail postérieur de Folmer, avec des allusions partielles et un aperçu de la perspective, et dans ce cas la suggestion de l'ouverture des boîtes.

Georges Folmer

Cette exposition s'attache à restituer les enjeux et le rôle important de Georges Folmer dans l'abstraction géométrique en France, tendance qui a toujours dû lutter pour conserver sa place, et qui, aujourd'hui enfin acquiert sa légitimité et sa reconnaissance dans la création contemporaine. L'exposition s'articule sur trois espaces : Elle décrit tout d'abord le cheminement de l'artiste vers l'abstraction. Elle témoigne de son affranchissement de la figuration par ses oeuvres cubistes. Elle révèle enfin l'épanouissement de son abstraction géométrique. Elle est également l'occasion d'évoquer l'attachement de Georges Folmer à une pratique de recherche collective au sein des groupes Espace et Mesure.

"L'Ascencion du Christ" 1958, Salvador Dalí,
Huile sur toile, 115 x 123 cm, collection Pérez Simón

Du Greco à Dalí. Les grands maîtres espagnols

La collection Pérez Simón

Musée Jacquemart-André, Paris

Du 12 mars au 1er août 2010

Cet homme d’affaires mexicain d’origine espagnole, passionné par les grandes écoles européennes, a fait l’acquisition de centaines de pièces depuis les années 70. Il en fait profiter les amateurs d’art du monde entier en prêtant régulièrement des parties de sa collection aux grands musées nationaux.

Ici, il s’agit de la partie hispanique, la moins connue du grand public, qui embrasse près de quatre siècles de peinture. La cinquantaine de toiles ont été regroupées en salles thématiques afin de mieux cerner les grandes problématiques qui ont animé ces maîtres du pinceau. A travers la représentation des différents visages de l’Espagne (fêtes populaires, art de cour) ou du divin (Christs en croix, madonne, saints), les portraits d’enfants, les paysages et le corps féminin, on (re)découvre une grande école, trop souvent négligée de nos jours.

A côté de noms familiers comme Picasso, Goya, Miró, le Gréco ou Dali, on peut aussi admirer les talents de coloriste d’un Joaquin Sorolla, l’inspiration romantique d’un Manuel Barrón y Carrillo ou encore le style nourri aux sources flamandes d’un Murillo.

Quelques pièces rares ajoutent également à la qualité de cette exposition : une des seules miniatures de dévotion réalisées par le Greco et l’un des tout premiers portraits féminins de Goya, celui de Maria Teresa de Vallabriga.

Hommage à l’art espagnol au Musée Jacquemart-André

Les oeuvres de la collection Pérez Simón sont exposées pour la première fois en France au Musée Jacquemart-André. L'exposition réunit des œuvres clés de différentes époques et de divers mouvements picturaux. Elle propose un passionnant voyage esthétique et artistique. Elle se construit autour d'un parcours thématique dans lequel chaque étape est l'occasion de confrontations inédites entre des maîtres de siècles différents permettant ainsi de souligner les traditions et les ruptures qui ont fait le succès de l'école espagnole.

Le siècle d’or de la peinture sacrée

Avec les œuvres du Greco, de Jusepe de Ribera et de Bartolomé Estéban Murillo, le visiteur plonge au cœur des différents visages de l’art de la réforme catholique. Les artistes, souvent influencés par la pensée mystique, traduisent un monde aspirant à la gloire céleste par de saisissants effets de clair-obscur. Puis le ténébrisme laisse place aux peintures lumineuses de Murillo, maître du baroque espagnol, qui a laissé à Séville de nombreux disciples. À cet art religieux répond un art profane dominé par les grands portraits de cour et la finesse d’un Goya.

Un art hispanique du portrait et de la vie de cour

Grands collectionneurs férus d'art italien et flamand, les monarques espagnols ont néanmoins confié à des peintres espagnols la réalisation de leurs portraits. De Sánchez Coello à Goya, les artistes mêlent intimement l’image du pouvoir à celle de la réalité.

De l’affirmation d’une identité nationale…

L'opposition à l'occupation napoléonienne, la lente émergence d'un état moderne et la découverte des richesses de la civilisation espagnole par l’Europe tout au long du XIXème siècle ont contribué à asseoir le sentiment d'une forte identité nationale. À travers de grandes scènes de fêtes populaires, ce mouvement déploie sur la toile toute la beauté des costumes traditionnels et des décors des villes pavoisées. Il développe également un goût pour les sujets intimes, jeux de plage, jardins et vie de famille. Joaquin Sorolla est le maître incontesté de ces scènes dédiées aux bonheurs simples. Les couleurs vives, fortes et éclatantes illuminent ses toiles.

…vers la modernité

C’est toujours en termes de continuité et de rupture que s’envisage le passage à ce qu’il est convenu d’appeler « la modernité ». Le traitement de la lumière devient le maître mot des héritiers de Sorolla. Quant à celui de la couleur, il subit l’influence de l’impressionnisme français.

L'exposition s'achève avec ces grands maîtres espagnols qui ont révolutionné l'art occidental. Pablo Picasso, Juan Gris, Joan Miró ou Salvador Dalí établissent des dialogues entre cubisme et surréalisme. Une riche sélection d’œuvres graphiques et picturales de ces artistes offre un aperçu saisissant de cette évolution jusqu’à Tápies.

Juan Antonio Pérez Simón, un collectionneur averti

Important homme d’affaires mexicain d’origine espagnole né en 1941 en Asturies, Juan Antonio Pérez Simón est une personnalité reconnue dans le monde des collectionneurs. Depuis les années 1970, sa passion pour l’art et son goût pour la culture l’ont incité à réunir une collection exceptionnelle : peintures, sculptures, dessins, gravures, objets d’art décoratif, manuscrits, mais aussi une bibliothèque de plus de cinquante mille volumes.

Cette collection, connue dans le monde entier, est l’une des plus importantes d’Amérique Latine par son caractère exhaustif ainsi que par la notoriété des artistes représentés. Juan Antonio Pérez Simón parle de ces choix artistiques comme étant le prolongement de sa propre personnalité : « J’ai bâti un univers personnel qui fait écho à ce qui me définit et me stimule. Tous ceux qui, comme moi, ne possèdent pas ce merveilleux don de créer la beauté grâce à l’art peuvent se consoler en admirant des œuvres et en jouissant de se laisser séduire par elles ». Amateur des grandes écoles européennes, les tableaux présentés au Musée Jacquemart-André représentent la partie hispanique de sa collection, la moins connue du grand public.

Le commissariat

Nicolas Sainte Fare Garnot, historien de l’art spécialiste de la peinture française du XVIIème siècle, est le conservateur du Musée Jacquemart-André depuis 1993. Depuis sa nomination au Musée Jacquemart-André, il a réorganisé la distribution des collections selon le programme d’origine et a lancé des campagnes de restaurations et d’inventaires. Avec Culturespaces, il contribue à créer une nouvelle dynamique au sein du Musée en apportant son concours scientifique à des expositions temporaires dont les sujets permettent d’approfondir la connaissance des artistes présents dans les collections permanentes.

Véronique Gerard-Powell, maître de conférences en histoire de l'art moderne à l'Université de Paris-Sorbonne, est spécialiste de l'art espagnol. Elle a participé à plusieurs expositions d'art espagnol en France (Zurbaran au Grand Palais en 1988 ; Goya au Musée des Beaux-arts de Lille en 1999). Elle a réalisé le catalogue raisonné des peintures espagnoles du Musée de Grenoble (RMN, 2000) et, en collaboration avec Claudie Ressort, celui des peintures espagnoles et portugaises du Musée du Louvre (2002). Elle achève actuellement un ouvrage écrit en collaboration avec Claudie Ressort sur « Les maîtres anciens de l'école espagnole en France entre 1800 et 1914 ».

Situé à proximité des Champs Elysées, le Musée Jacquemart-André présente la plus belle collection privée d’œuvres d’art de Paris, associée à l’atmosphère d’une grande demeure du XIXème siècle. Découvrez ce magnifique hôtel particulier né de la passion d’Edouard André et de Nélie Jacquemart, son épouse, ainsi que leur éblouissante collection composée, en particulier, d'oeuvres majeures des grands maîtres de la peinture flamande, de ceux de la peinture française du XVIIIème ou encore des plus prestigieux artistes de la Renaissance Italienne.

"L'artiste et sa mère" 1926-36, Arshile Gorky  

Huile sur toile, 152,4 × 127 cm,  Whitney Museum of American Art, New York, don de Julien Levy pour Maro and Natasha Gorky en  mémoire de leur mère

Arshile Gorky: A Retrospective

Arshile Gorky : une rétrospective

Tate Modern, Londres

Du 10 février au 3 mai 2010

Une rétrospective consacrée au peintre américain d'origine arménienne Arshile Gorky a ouvert mercredi à la Tate Modern de Londres, qui expose pour la première fois les tableaux précoces de l'artiste.

L'oeuvre de ce peintre exilé aux Etats-Unis après les massacres d'Arméniens sous l'empire ottoman en Turquie est "une figure charnière de l'art américain du milieu du 20è siècle", a souligné Matthew Gale, l'un des commissaires de l'exposition pour la Tate.

Cette rétrospective permet d'observer comment, après avoir absorbé les multiples influences de la peinture moderniste européenne, Arshile Gorky préfigure l'expressionnisme abstrait de peintres américains tels Jackson Pollock, Willem de Kooning ou encore Mark Rothko.

Longtemps inspiré par le cubisme de Picasso puis par les surréalistes, il a mis du temps à chercher son style propre qui éclot dans les années 1940.

Son style s'épanouit avec des toiles proches de l'abstraction lyrique, inspirées des paysages du Connecticut.

Le chef de file des surréalistes André Breton, alors séduit par cette oeuvre originale "l'adopte et fait la promotion de son oeuvre", explique Matthew Gale.

Mais les coups du sort s'accumulent, avec en 1946 l'incendie de son atelier qui fait partir en fumée un an de travail, puis un cancer.

Grièvement blessé au cours d'un accident de voiture et dépressif, l'artiste se donne la mort en 1948.

La Tate expose aussi deux versions de "L'Artiste et sa Mère", deux toiles tourmentées, qui sont les tableaux les plus connus de l'artiste. Réalisées vers 1937 à partir d'une photographie prise en 1912 en Arménie, avant que sa mère ne meure de faim à Erevan après avoir fui avec sa famille les massacres en Turquie ottomane.