PEINTURE CONTEMPORAINE CONTEMPORARY ARTIST'S PAINTINGS

PHILIPPE LAMIRAL / ARTISTE PEINTRE

Mes peintures

Présentation

"L'arbre jaune" (89 x 116 cm)

http://www.artabus.com/lamiral

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Philippe Lamiral travaille longtemps par couches successives sur une même toile et fait apparaître l'expression de la peinture ; il opère une transformation de la matière par l'énergie et par la volonté d'aller plus loin. Il peint non plus le sujet mais la « peinture » et s'intéresse de plus en plus à la couleur ! Les paysages archétypes ou les figures qu'on reconnaît sous l'épaisse matière, dans la tradition classique des thèmes de la Peinture lui permettent désormais de peindre sans souci de signification...

Son oeuvre est cotée sur artnet et dans le Guide Meyer.

Philippe Lamiral works for a long time by successive coats on the same painting and creates the expression of the painting; he operates a transformation of the material by the energy and by the will to go farther. He paints either the subject but the "painting" and is interested more and more in the color! The landscapes archetypes or the figures which we recognize under the thick material, in the classic tradition of the subjects of the Painting allow him henceforth to paint carefree of meaning... His work is quoted on artnet and in the Guide Meyer.

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A travers les oeuvres ou les écrits d'artistes d'hier et d'aujourd'hui, chercher à comprendre leur démarche artistique et à interroger le protocole créatif de ces artistes.

http://www.artabus.com/lamiral

PRACTICE RESURRECTiON... Yeardley Leonard | 19 novembre 2009

"Practice Resurrection" 2004, Yeardley Leonard
Acrylique sur toile, 141 x 122 cm

Yeardley Leonard développe les géométries rectilignes et les palettes de dynamiques de ses peintures antérieures.

Vue de l'exposition des oeuvres de Heardley Leonard à la galerie Elisabeth Dee à New York en 2004.

Publié par philippelamiral à 07:34:56 dans LEONARD Yeardley (abstrait) | Commentaires (1) | Permaliens

iN THE GARDEN ... Yeardley Leonard | 18 novembre 2009

"In the Garden (Au jardin)" 2004, Yeardley Leonard

acrylique sur toile, 61 x 45,7 cm, collection Christopher Hamick, New York

En 2004, à l’ère du numérique, Yeardley Leonard livre des quadrillages colorés, semblables à des images pixelisées à l’extrême.les couleurs se sont pixellisées pour Yeardley Leonard. Elle fractionne les couleurs du paysage environnant en formes géométriques très colorées, qui font penser aux premières oeuvres abstraites de Kelly.

Yeardley Leonard à Dee/Glasoe

Publié par philippelamiral à 08:58:33 dans LEONARD Yeardley (abstrait) | Commentaires (1) | Permaliens

FRANCiS BACON | 17 novembre 2009

"Peinture 1946" Francis bacon, huile sur toile, 198 x 132 cm

La Peinture de 1946 est un grand travail qui est venu pour être reconnu comme un des chefs-d'œuvre de Francis Bacon. La chair est une partie majeure du travail, qui a continué à devenir un thème central partout dans le reste de sa carrière. Même ses portraits ont pris une apparence de chair qui pourrait même être accroché facilement dans une boucherie.

Francis Bacon

Tate Britain - Londres

du 11 Septembre 2008 au 4 Janvier 2009

L'exposition rétrospective que consacre la Tate Britain à Francis Bacon (1909-1992) et qui ouvrira ses portes le 11 septembre 2008 inaugurera les célébrations du centenaire de la naissance de l'artiste en Grande-Bretagne. Première rétrospective consacrée à l'artiste au Royaume-Uni depuis 1985, elle vise à mettre en lumière les recherches les plus récentes sur le travail de Francis Bacon à la suite de la découverte du contenu de son atelier après sa mort en 1992. Réunissant environ une soixantaine d'oeuvres et s'étendant sur toute la carrière de l'artiste, l'exposition présente une sélection des oeuvres les plus importantes pour chacune des grandes périodes de l'oeuvre de Francis Bacon. Elle représente la plus importante présentation à ce jour sur le travail, la pensée, les sources et les processus de création de Francis Bacon.

Viandes en énigme et papes carnassiers : à la Tate Britain, près de soixante oeuvres mettent à nu une bestialité que Bacon n'a cessé d'écorcher, de sacraliser au fil de son oeuvre. Une iconographie obsessive qui, entre bourrasques de roses et de vermillons, d'os et de chair pillée, emporte tous les corps possibles. Car sa cruauté est dans cet éclatement pictural, mêlant le raffinement de l'aquarelle aux empâtements les plus denses, les Erinyes aux figures chrétiennes. Des connexions, qui, rendues explicites dans le 'Triptyque inspiré de l''Orestie d'Eschyle', scellent l'attachement du peintre à la puissance du drame antique. Effarante, également, cette pièce consacrée à la crucifixion, qui, entre emphase et turpitude, noblesse et effroi, emprunte autant à l'art de Grünewald qu'au 'Boeuf écorché' de Rembrandt. Et puis, vertu majeure de l'exposition, cette présentation du contenu de l'atelier, écuries mythiques naguère jonchées d'images issues du 'Cuirassé Potemkine', comme de l'album de Muybridge, dont Bacon reprend la fragmentation du mouvement. En atteste ce 'Triptyque en hommage à George Dyer', où la figure de son amant et modèle favori se prête aux morcellements et distorsions les plus radicales. De déformations en turbulences, cette vaste rétrospective offre un hommage majeur à un bourreau de la couleur, qui, entre déni de l'abstraction et goût pour la figuration, a su équarrir l'âme humaine et son hédonisme désespéré. Paloma Blanchet-Hidalgo

Publié par philippelamiral à 07:29:50 dans EXPOSITIONS | Commentaires (1) | Permaliens

WiLLiAM TURNER | 14 novembre 2009

"Départ pour le bal (Saint Martin)" 1846, William Turner
Huile sur toile, 61,6 x 92,4 cm, Londres, Tate Britain

William Turner

Tate Britain - Londres

du 23 Septembre 2009 au 31 Janvier 2010

Le Lorrain, Canaletto, Poussin, Rembrandt, Rubens furent parmi les plus grands maîtres auprès desquels Joseph Mallord William Turner nourrit sa passion de la peinture, puisa son inspiration, développa son génial désir de peindre. L'exposition 'Turner et les maîtres' vient éclairer le complexe et passionnant processus de formation du regard, d'inspiration, de dialogue, d'affirmation de son génie personnel, de continuité et de rupture dans lequel l'un des plus grands peintres de tous les temps s'engagea toute sa vie. L'exposition rassemble plus de cent oeuvres de premier ordre et en provenance des collections du monde entier. Elle réunit, souvent pour la première fois, les oeuvres de Turner et celles de ses prédécesseurs : Canaletto, Le Lorrain, Cuyp, Poussin, Rembrandt, Rubens, Ruisdael ou Van de Velde. Mais le parcours établit également des paires avec les oeuvres de ses contemporains : Bonington ou Constable. Toutes ces associations éclairent la façon dont Turner dialoguait avec ses pairs, leur rendant hommage tout en développant une forme sophistiquée de critique, en vue de montrer à la fois sa compréhension du plus grand art, mais aussi sa capacité à l'égaler si ce n'est à le dépasser, notamment en ce qui concerne la peinture de paysage.

Difficile de résister à l’envoûtante lumière des paysages de William Turner, lorsqu'ils frôlent l'abstraction. Sa production plus académique reste beaucoup moins connue, bien qu'elle soit, pour des raisons différentes, tout à fait captivante. L’exposition de la Tate Britain sur les sources d’inspiration du grand peintre permet de pallier cette lacune. Prenant l’exercice au pied de la lettre, le commissaire d’exposition David Solkin réunit une centaine d’oeuvres des plus talentueux artistes de l’histoire de l’art, pour les comparer avec les travaux de Turner. L'art de Le Lorrain, Rembrandt, Canaletto, Poussin, Rubens… mais aussi des contemporains, comme Constable ou Bonington se confrontent avec fierté aux travaux du peintre anglais. Au-delà du plaisir d’admirer une telle profusion de chefs-d’oeuvre, le dialogue s’avère flagrant. Si certains de ses paysages ne font que s'inspirer de la lumière claire et de l’horizon brumeux de Claude Lorrain, il frôle parfois la copie, mais semble parfaitement l'assumer. Modifiant l’orientation d’une voile de bateau, éclaircissant un peu le ciel, il prend le meilleur de ses prédécesseurs pour le transcender, grâce à ce supplément lumineux imparable. Si c’est bien dans l’ombre et les ténèbres que l’on reconnaît un virtuose de la lumière, Turner dépasse largement ce qu'il cherche chez ses confrères. Le thème passant alors au second plan, il peut se permettre de les reprendre sans gêne. ‘Le Déluge’ qu’il peint deux ans après avoir vu celui de Poussin au Louvre en est une leçon magistrale. On découvre ainsi chez Turner, une relation très complexe envers ses aînés : un besoin de s’en libérer, tout en ayant parfaitement conscience de ce que lui-même, en tant que grand maître, souhaitait laisser derrière lui. par Emilie Trochu

Publié par philippelamiral à 13:09:27 dans EXPOSITIONS | Commentaires (3) | Permaliens

LABORATOiRE ET DONATiON EUGèNE LEROY | 13 novembre 2009

"Buste" ca 1990, Eugène Leroy, Huile sur toile, 81 x 65

Musée des B-A Eugène Leroy Tourcoing

Laboratoire et donation Eugène Leroy

Musée des Beaux-Arts Eugène Leroy Tourcoing

à partir du 19 septembre 2009

Le musée des Beaux-Arts change de peau et devient le musée des Beaux-Arts Eugène Leroy. Cette mutation fait suite à l’importante donation réalisée à l’été 2009 par les deux fils d’Eugène Leroy né en 1910 à Tourcoing, Eugène Jean et Jean-Jacques. Elle est composée de plus de 600 œuvres et archives : tableaux de toutes les périodes couvrant les années allant de 1940 à 2000, dessins, gravures, carnets de croquis, sculptures ; certaines œuvres n’ayant jamais été montrées, gardées jalousement par leur père. « À sa mort en 2000, mon père nous a laissé son atelier, tout le travail en gestation et son jardin secret : des toiles de jeunesse, des carnets de dessins, des gravures… des choses qu’il ne montrait à personne. Nous avons souhaité conserver l’ensemble dans un lieu de référence où vivrait l’âme de Leroy. Nous aurions pu disperser ses cendres, nous préférons être des passeurs », témoigne Eugène Jean Leroy. Au sein du musée de Tourcoing, aménagé comme un espace ouvert et visible par le public, "le Laboratoire" conservera physiquement la totalité des œuvres et archives données. Il se situera au milieu même des galeries d’exposition des collections permanentes du musée. Il permettra de faire partager l’événement exceptionnel que constitue l’étude scientifique et historique de cette importante donation, ainsi que la restauration des œuvres confiée à Grazia Nicosia, avec le soutien de la Fondation BNP Paribas. Conservateur restaurateur, spécialiste de l’œuvre d’Eugène Leroy, Grazia Nicosia a longuement travaillé sur la nature de la matière peinte chez Leroy. Elle est l’auteur de nombreuses communications sur l’aspect si particulier de cette peinture, faite de « strates colorées » qui sont en réalité l’expression de la « quête plastique » du peintre pour parvenir à la restitution de la lumière. En octobre 2010, une grande exposition marquera le centenaire de la naissance de l’artiste à Tourcoing et sera assurée par deux commissaires d’exposition invités qui entretiennent de longue date une relation complice avec l’œuvre d’Eugène Leroy : Jan Hoet et Denys Zacharopoulos, commissaires de nombreuses expositions de Leroy (Gand, Bâle, Dokumenta, domaine de Kerguehennec). Une exposition thématique à laquelle feront échos divers événements dans plusieurs musées français et étrangers et qui témoigneront du rayonnement international de l’œuvre atypique d’Eugène Leroy. À l’issue de cette manifestation, le musée procédera à un réaménagement des ses salles permettant d’accroître les surfaces d’exposition et l’aménagement d’un centre de recherche autour des Archives de Leroy. La fin des travaux est prévue pour 2013. Marie-Ange Dutartre

Sous l'oeil expert de Grazia Nicozia, conservatrice - restauratrice, spécialiste de la spécificité de la peinture d'Eugène Leroy

Eugène leroy vu de dos, photographie de Marina Bourdoncle, sa compagne.

Né en 1910 à Tourcoing, Eugène Leroy a vécu et travaillé la majeure partie de sa vie dans la banlieue de Lille où il réalise sa première exposition personnelle en 1937. Il connaît une reconnaissance tardive mais son œuvre finit par s’imposer internationalement. Grâce au soutien fidèle du galeriste allemand Michael Werner, son travail est régulièrement exposé à Cologne au début des années 80, puis à New York et Berlin, et à la Galerie de France à Paris depuis 1990. Exposé par des musées importants : Gand (1982), Eindhoven (1986 et 1988), ARC, Musée d’art moderne de la Ville de Paris (1988), Musée d’art contemporain de Nice, (1993), Bâle Kunsthalle (1997), Toronto (1999), Buffalo (USA, 2000), Düsseldorf (2000), son œuvre est consacrée par sa présence à la Documenta IX de 1992. Le Musée national d’art moderne, Centre Georges Pompidou, a présenté la dation Eugène Leroy en 2004-2005. Le Musée national d’art moderne de la ville de Paris (l’ARC) a inauguré en 2008 une salle permanente au sein de ses collections permanentes. Eugène Leroy est mort à Wasquehal, près de Lille en 2000.