A travers les oeuvres ou les écrits d'artistes d'hier et d'aujourd'hui, chercher à comprendre leur démarche artistique et à interroger le protocole créatif de ces artistes. 

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"Sans titre" 1998, Bernard Piffaretti, acrylique sur toile, 180,3 x 200,2 cm

 
Cette marque de fabrique, quand bien même l’artiste voit dans la duplication le cœur vivant de son activité, ne doit cependant pas occulter les qualités variées et très ouvertes d’une œuvre qui apparaît à la fois définitivement fixée (depuis 1984) et en constant renouvellement. Cette peinture « sans qualité », comme il le dit parfois, ayant digéré l’héritage de l’abstraction comme de la spécificité moderniste, et outre ses clins d’œil à l’appropriationnisme, réintroduit la notion de temporalité, plaçant ainsi la peinture dans une perspective performative où on ne l’attendait plus guère. Plus qu’un style, il y a une signalétique Bernard Piffaretti. D’un tableau à l’autre, en effet, tout ou presque change et prend le contre-pied du précédent : les couleurs, les motifs, l’organisation de la surface. C’est précisément cette tension entre une règle établie et le jeu qu’elle permet qui constitue la force et l’extrême vitalité du travail.

Jean-Marc Huitorel

"Sans titre" 2002, Bernard Piffaretti, acrylique sur toile, 150 x 150 cm

Les peintures de Bernard Piffaretti s’identifient visuellement de façon très évidente et immédiate en ce qu’elles consistent en la duplication souple sur une moitié de la surface de ce qui a été peint sur la moitié originelle. Tantôt le peintre commence par la partie droite, tantôt par la partie gauche. Un trait vertical sépare les deux surfaces. Ce faisant, Bernard Piffaretti règle la moitié des problèmes et des questions qui torturent les peintres d’aujourd’hui, et en tout premier lieu le crucial « Quoi peindre ? ». Mais la moitié seulement.

 Jean-Marc Huitorel

Giorgio Morandi ne peut être clairement identifié à une école de peinture spécifique. L’œuvre de Cézanne représente son influence majeure : il lui emprunte la monumentalité des formes et les zones denses de couleur. L’artiste développe une approche intime de l’art. Guidé par une sensibilité formelle d’un grand raffinement, il donne à ses paysages et à ses natures mortes une subtile délicatesse de ton et de dessin, suscitant chez le spectateur un mode contemplatif.

Les natures mortes sont la partie la plus importante de l'œuvre de Giorgio Morandi. Elles représentent des objets ordonnés avec soin sur une table dans l'atelier, pour être observés et peints. Ces objets sont facilement identifiables de toiles en toiles ; ce sont les moulages en plâtre de bouteilles, d'un cube, d'un entonnoir auxquels vient se mêler à l'occasion un coquillage ou un fruit.

Portrait photographique de Giorgio Morandi

"sierra madre" 1998,  Yeardley Leonard, acrylique sur toile, 122 x 183 cm

Les toiles intimistes, par leur dimension comme par leur atmosphère, de Yeardley Leonard, évoquent certains aspects du milieu naturel sans pour autant les représenter de façon objective. Ses tableaux transforment l'information visuelle sur le monde extérieur en un code pictural personnalisé, étonnament nuancé, qui exprime l'essence de la nature plutôt que son apparence. Ce sont les équivalences qui l'intéressent, et elle utilise formes et couleurs pour avancer sur l'étroite frontière qui sépare l'abstraction de la figuration, suggérant au bout du compte que cela peut être la même chose.

 "Photomaton" Frédérique Louisa, photographie 

Questions d'objets / Frédérique Louisa

Du 11 novembre au 11 décembre 2009

Galerie octObre

24, rue René Boulanger

75010 Paris



"Dans ce photomaton du quai de Valmy, importé de Berlin, les photos témoignent d'une autre époque. C'est ci que les objets qui ne me servent plus mais que j’aime prennent leur envol. Ils deviennent motifs. (...) Je trouve ça drôle des objets qui se déplacent pour se tirer le
portrait." FL

Frédérique Louisa nous fait traverser le miroir de sa mémoire et nous entraîne dans un monde sensible et maîtrisé oů la forme et l'espace sont rois. Frédérique Louisa donne la réponse à la question "to be or not to be ?".

Cette exposition de photomatons  en disent long : sur le temps et le devenir, l'identité et les coups de pied qu'il faut se donner pour avancer libres et sans entraves. Ce travail d'une jeune artiste de 21 ans nous ouvre un chemin et nous transforme.

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