A travers les oeuvres ou les écrits d'artistes d'hier et d'aujourd'hui, chercher à comprendre leur démarche artistique et à interroger le protocole créatif de ces artistes. 

http://www.artabus.com/lamiral 

"Made in Heaven" 1989,  Jeff Koons, lithographie sur papier sur toile, 318 x 691 cm, détail

Superstar de l'art contemporain, multimillionnaire, l'Américain Jeff Koons est souvent qualifié d'empereur du kitsch à cause de ses détournements d'icônes de la culture pop, de Michael Jackson à Mickey Mouse.
Dans "Jeff Koons : un homme de confiance" un documentaire réalisé en 2002, Koons revient sur un passage controversé de sa carrière, la série "Made in Heaven", entamée en 1989 dans laquelle il se met en scène avec sa femme à l'époque, l'actrice porno Ilona Staller, alias La Cicciolina.

Si la notoriété de Jeff Koons dépasse les limites du monde de l’art, c’est parce qu’avec des œuvres telles que le monumental Puppy qui monte la garde devant le Guggenheim Museum de Bilbao ou la série Made in Heaven, croisement de baroque et de hardcore, il a su briser la glace entre l’art contemporain et un public large.

La sculpture  de la serie Made in Heaven de Jeff Koons à l'exposition,de Pop Life, Art in Material World au Tate Moderne

Ilona Staller, alias La Cicciolina est née en 1951 à Budapest en Hongrie.
Jeff Koons est né en 1955 en Pennsylvanie aux Etats-Unis.
A eux deux un enfant, Ludwig, né en 1992.

La fameuse série « Made In Heaven » (1989) met en scène le couple narcissique dans (presque) toutes les positions du Kama-Sutra. Koons se sculpte muscles saillants et dessine à La Cicciolina une bouche pulpeuse et des fesses parfaites.

Provoquer le scandale, notamment par le recours à la mise en scène pornographique de sa propre personne, est sans doute l'intention de Jeff Koons, lorsqu'il se met en scène avec son épouse, la Cicciolina, dans une série de photos et de sculptures, Made in Heaven, même si l'artiste américain prétend avoir ici voulu rendre hommage à Boucher et Fragonard et aux libertins du XVIIIe siècle.

Pop Life Art in a Material World

La serie Made in Heaven (1989), intégrant de grandes photographies et des sculptures, est un témoignage des actes sexuels partagés avec l'étoile porno Italienne Cicciolina, avec qui il s'était marié. Non sans un scandale cette série s'est exhibée à la Biennale de Venise en 1990.

"Sans titre" autour de 1956, Joan Mitchell

Huile sur toile, 49 x 40 cm (19 1/8 x 16”)
Achat :  Donation nationale pour les Arts, les Patrons du Concert de John Jacob Niles Benefit et des Amis du Musée D'art, 1980

« Je peins des paysages remémorés que j’emporte avec moi, ainsi que le souvenir des sentiments qu’ils m’ont inspiré, qui sont bien sûr transformés… Je préfèrerais laisser la nature là où elle est. Elle est assez belle comme ça. Je ne veux pas l’améliorer. Je ne veux certainement pas la refléter. Je préfèrerais peindre les traces qu’elle laisse en moi. »

Joan Mitchell, citée dans John I.H. Baur, Nature in Abstraction: The Relation of Abstract Painting and Sculpture to Nature in 20th Century American  Art , Whitney, 1958, p.75.

Une artiste contemporaine...

Joan Mitchell, fit parti du mouvement expressionnisme abstrait américain de seconde génération.

Née en 1925, elle décéda soixante-dix ans plus tard, laissant à la génération suivante, une palette et un savoir faire incomparable. Inspirée par Vincent Van Gogh, Vassily Kandinsky, Paul Cézanne, elle fut aussi très vite attirée par l'art de Willem de Kooning, Robert Motherwell et Jackson Pollock.

Elle manifesta très tôt un intérêt pour les aquarelles et les lithographies. Amoureuse d'un poète romantique anglais, William Wordsworth, on s'aperçoit que son œuvre est reliée à celle de l'écrivain. Ils désiraient tous les deux saisir dans le moment ininterrompu de la nature, un point immobile où la sensation condense l'expérience du monde et se met à l'abri. Joan Mitchell cherchait à arrêter le temps, à arracher ses œuvres du cours du temps...

 "Woman Drinking Martini" 2009,  Peter Saul, huile sur toile, 120 x 90 cm

Peter Saul, New Paintings

Galerie Praz-Delavallade, Paris 13e 

10 oct.-07 nov. 2009

La galerie Praz-Delavallade présente la première exposition qu'elle consacre à l'artiste américain Peter Saul du 10 octobre au 7 novembre 2009.
Né en 1934 à San Francisco, Peter Saul est aujourd'hui reconnu comme une figure majeure de l'art contemporain aux Etats-Unis. Sa rétrospective, unanimement saluée, au Orange County Museum en 2008, a permis de mettre en avant cette figure hors norme et de redécouvrir une oeuvre unique par son ambition et son originalité.

D'abord assimilé au Pop Art, Peter Saul s'en éloigne pour développer son propre langage fait de mauvaises blagues et de références irrévérencieuses. Contre-culture, humour, outrance, et mauvais goût: voilà les outils de ce « sale gosse de l'Amérique.»

Au cours de ces quarante-cinq dernières années, il a revisité, à sa manière, les chefs-d'oeuvre de l'histoire de l'art et a développé sa propre vision de l'Histoire. Une vision radicale qui ne va pas dans le sens de la grandeur mais propose un nouveau regard au travers du prisme de la culture populaire contemporaine. Peter Saul renvoie l'histoire à sa vérité première: un mélange de terreur et de romance.

Il raconte des histoires, sur un mode parfois salace, basées sur des événements historiques, sur l'histoire de l'art, ou bien encore sur la mythologie. Elles lui servent à mettre en avant la perversité, l'avidité, la boulimie, l'arrogance, la paresse, l'agressivité d'une Amérique triomphante et souvent détestée.

Ses compositions chaotiques empruntent à la peinture classique certains principes de construction: il dessine sur la toile, réalise les fonds, dispose d'abord les objets secondaires afin, ensuite de dilater le sujet noble. Les couleurs acides, l'annulation de la perspective transforment ces images en vignettes de bande dessinée. Quand il s'attaque aux chefs-d'oeuvre de l'histoire de l'art et les traite comme un caricaturiste, il réalise là un véritable hold-up de l'image, parodiant l'art et la critique en général. 

« Saul a su développer un style entièrement dédié au retournement de l'utopie de tous les idéaux au moyen d'une «bande dessinée muséale». De par sa façon de mettre à jour les ambivalences de la culture américaine et sa dialectique perverse du bon et du méchant, il est peut-être celui qui a su le mieux illustrer notre époque, celui le mieux à même de documenter la chute de l'empire américain.»

"Sans titre"  2008, Atsing, huile sur toile, 180 x 150 cm

Atsing

Musée archéologique de Dijon

Du 01 Octobre au 06 Novembre

Atsing expose 14 grandes toiles au musée archéologique de Dijon.

Malgré la précision et la justesse de la représentation, leur environnement reste diffus. La situation semble abstraite, flottante, et les personnages muets ne s’expriment que par leurs postures. Souvent dos à dos, ou encore face au spectateur, ils sont composés d’après des pages déchirées et réassemblées de journaux et magazines de mode.

La saisissante réalité de ces personnages, qui pourraient être nos voisins, des gens rencontrés dans la rue, vient du fait qu’ils sont issus de ce que l’on considère pourtant comme faux et artificiel - le monde des médias. Siloé Pétillat

"Sans titre"  2007, Atsing, huile sur toile, 180 x 150 cm

Atsing est né en 1958 à Shanghai en Chine. C'est là qu'il a fait la connaissance de Yan Pei-Ming. Protégé, Atsing est considéré pour beaucoup comme « le fils spirituel » de Ming.

"Mes peintures résument tout." Atsing, 50 ans, de son vrai nom Xue He-Qing est plutôt du genre modeste, discret, voire presque timide derrière un sourire communicatif. Pourtant, à l'honneur au Musée archéologique de Dijon jusqu'au 6 novembre, ses quatorze huiles sur toile de 180 x 150 centimètres n'ont rien d'anecdotique. Ses peintures représentent avec précision des paires de personnages en pied, grandeur nature, peintes dans des milieux urbains. Ces représentations contrastées, accessibles, ont souvent des attitudes tristes, diffuses, presque effacées.

Relations abstraites

Atsing travaille sur les postures et les mouvements de ses protagonistes qu'il qualifie de « cool ». « Je prends tout d'abord des photos moi-même ou travaille à partir d'images de journaux ou de magazines que je découpe. Ensuite, je réalise des croquis avant de travailler directement sur la toile », explique l'artiste. « Pour les couleurs, presque pastel, je cherche l'harmonie entre les décors et les personnages. »

Le message que porte Atsing sur la société n'est pas forcément positif, mais sonne juste et réel. Les hommes et les femmes que l'on voit sur ses tableaux sont muets. Souvent dos à dos ou face au spectateur, ils ne se regardent jamais ; ils s'ignorent presque. « Leur relation est abstraite, banale, inscrite dans le quotidien, note l'artiste. Les personnages sont à côté l'un de l'autre mais n'ont aucun rapport. »

Autre contraste intéressant, la rencontre entre les œuvres d'Atsing et le dortoir des Bénédictins du Musée archéologique de Dijon, un lieu chargé d'histoire.

Les quatorze tableaux, et d'autres non utilisés pour l'exposition, ont été réalisés entre 2006 et ses derniers mois dans l'atelier de Yan Pei-Ming, son ami de longue date. « Il m'a énormément aidé », déclare Atsing, remerciant une de ses influences évidentes. Vincent Lindenneher

Dans la cité

"Atsing a ici composé un univers étrange. Son travail était solitaire et s'est fait dans la durée. Sur ses toiles, il décrit des attitudes étonnantes que les hommes peuvent parfois avoir avec des voisins ou des personnes croisées dans la rue. Il représente une certaine cruauté de la vie d'aujourd'hui." Yan Pei-Ming

Atsing, nom d’artiste de Xue He-Qing, est un peintre originaire de Shanghai qui vit et travaille à Dijon depuis 1991. Ses peintures à l’huile reflètent avec subtilité le milieu dans lequel nous vivons.

Après sa formation très classique en dessin et en peinture à l’école de Shanghai, il se tourne vers le portrait. Ses personnages expriment par leur regard, leur posture et leur attitude, la solitude de l’homme moderne.

L’altérité, le fait d’être un autre jaillit aussi bien du rapport entre les personnages sur le tableau que dans le regard qui s’installe entre le sujet peint et le spectateur. Ce constat, n’est aucunement nostalgique ou romantique, les images saisissent un moment sans faire de commentaires. Ce qui semble étrange dans ce regard, c’est son extériorité, comme si le fait de venir d’une culture que François Julien définit comme “en dehors de la pensée européenne” lui donnait une clairvoyance sans pitié sur notre manière d’être.

Mais cette altérité, Atsing ne l’exprime que par la figure humaine !

Le sens de l'agora

C’est effectivement « dans la cité » (au sens propre comme au sens figuré, comprenez par là une cité dans le sens de l’« agora » grecque comme lieu de vie, de rencontre et de passage) qu’il puise son inspiration et  trouve son sujet. Si Atsing utilise des morceaux de journaux divers pour préparer les compositions de ses œuvres, c’est d’abord à l’aide de ses propres photos qu’il travaille. Il recompose donc sur la toile des patchworks d’images diverses qui donnent vie à des personnages partiellement imaginaires mais d’une vérité frappante.

Des instants figés

Quatorze toiles grand formats sont ainsi disposées de part et d’autre d’un mur conçu pour l’occasion. On se retrouve alors presque à hauteur des personnages qui, toujours par deux, nous regardent parfois mais restent muets. C’est plutôt par leur posture, leurs mouvements et leur attitude qu’ils communiquent. La sensation d’instant figé et de portrait vivant que l’on rencontre plus habituellement par le biais de la photographie, est ici très bien rendu.

Un jour dans la cité...

Le traitement des personnages se veut concret mais leur contexte interpelle par son abstraction. Dans sa forme, la peinture est d’un style que l’on peut considérer comme figuratif , mais elle n’en reste pas moins abstraite sur le fond. Que font les personnages, qui sont-ils, où vont-ils? Chacun s’ignore et vaque à ses occupations quotidiennes, un peu comme dans la vie de tous les jours « dans la cité ». Toutes ces questions sont traitées avant tout dans une recherche sur le mouvement et le déplacement dans l’espace.

D’un point de vue purement technique, on peut noter un certain contraste entre le geste de peinture, caractérisé par une touche forte à la brosse dure et un rendu tout en nuance. Les postures des personnages comme leur traitement sont empreintes d’agressivité alors que le rendu général, tant dans le dessin que dans les teintes presque pastelles, est d’une grande subtilité.

L'art de la banalité

Dans une atmosphère un peu grisâtre, nous sommes invités à réfléchir sur notre rapport au quotidien et aux personnes qui nous entourent. Au travers des attitudes et des mouvements, les personnages nous entraînent dans leur déambulation et créé un réel dynamisme. Un art de la banalité exécuté avec brio par un artiste simple et sobre qui consacre assurément plus de temps à sa peinture qu ‘à en parler.

Il en parle tellement peu d’ailleurs que lorsqu’on lui fait remarquer que l’ambiance de ses toiles n’est pas franchement joyeuse ni optimiste, il se contente d’avouer cet état de fait...

Qu’importe, nous avons ici affaire à une belle exposition. Un technique maîtrisée au profit d’un point de vue intéressant et d’un rendu saisissant. Et c’est  sous les voûtes du magnifique dortoir des Bénédictins de l’ancienne abbaye de St Bénigne que vous pourrez la découvrir. Jonas Jacquel

Les jeunes de la cité, vus par ce peintre chinois, Atsing , ami et disciple de Ming, laissent une impression étrange. Sur ces grands formats, ils glissent, ils passent…Deux par deux…On ne les rencontre pas. On les voit défiler et gesticuler,  muets et sans épaisseur. Seuls. Pas étonnant qu’au départ du travail de Atsing il y ait une photo: la photo crée cette distance que la peinture, faite à partir de la réalité immédiate, évite en général.

Mais ces remarques ne sont pas vraiment des critiques négatives (contrairement aux apparences!) La peinture de Atsing est forte, le coup de pinceau vigoureux et le trait sûr. Ses personnages sont, au contraire, je pense, volontairement un brin fantomatiques et abstraits. C’est l’image que la jeunesse des villes peut en effet donner. Inconsistante, triste, désabusée, étrangère à la vie…Une solitude cruelle…

Et c’est le plus intéressant dans cette exposition à mon avis- la confrontation entre le travail de cet artiste contemporain et le lieu, dortoir des Bénédictins, est fascinant. Les couleurs douces, beiges ou rosées, que Atsing emploie, ont quelque chose de la fresque. Ses figures silencieuse, comme statufiées, peuvent se rapprocher des sculptures hiératiques du passé…Et puis, c’est un rapprochement passionnant que celui de ces jeunes (presque tous masculins, d’ailleurs) peints aujourd’hui et des images et architectures moyenâgeuses. Un dialogue est-il possible? mi-jo

"Sans titre" 1993, Steven Parrino, photographie

Olivier Mosset, artiste contemporain actif depuis les années 60, est passé maître dans l’art d’interroger les limites de la peinture. Né en 1944 en Suisse, il séjourne à Paris pendant sa jeunesse, s’installe à New-York en 1977, pour ne plus quitter les Etats-Unis et vivre aujourd’hui à Tucson, en Arizona. Cet amoureux du motocyclisme aime à confondre ses toiles aux mur, plafond ou sol, rejoignant là une sorte d’idéal de la rupture du cadre. Entier, extrême, obsessionnel ? Après huit années passées à peindre des cercles (1966-1974) et huit autres consacrées au monochrome (1978-1986), il présente en 1986 sa première toile honorée d’un titre : « A step backward », édifiant. Comme si faire intervenir le langage traditionnel pour donner du sens brouillait l’inventivité, tuait dans l’œuf le renouveau - malheureux oxymore. L’exposition de rentrée du Magasin fleure bon l’huile de moteur mélangée à la peinture la plus pure. « Portrait de l’artiste en motocycliste » s’est construite sur un pacte original : rendre hommage à l’artiste en exposant les œuvres de sa collection et non ses créations, en retranscrivant l’univers artistique dans lequel il a évolué pour mieux aborder son œuvre. Le travail de ses compères plutôt que le sien, les œuvres qu’il a aimées et choisies plutôt que celles qu’il a produites… parce que, comme il l’a lui-même confié à Yves Aupetitallot, directeur du CNAC : « l'art c'est les autres, c’est ce qu’ils font ou ce qu’ils ont fait, […] mon propre travail ne serait pas ce qu’il est et n’aurait pas la place qu’il a si d’autres ne s’y étaient pas intéressés ». La lucidité du bonhomme est, comme qui dirait, de bonne augure…
Laetitia Giry

Les collections dartistes sont à part. Elles nous éclairent sur lenvironnement et l'oeuvre de lartiste qui collectionne d'autres artistes quand ils sont ses contemporains comme Damien Hirst, Martin Disler ou Günther Förg, ou sur un creuset historique dans lequel il puise inspiration et influence avec, par exemple, la collection de gravures maniéristes de Georg Baselitz. 

• DiANE DiMASSA... Catherine Opie | 08-11-2009
• FAUVES ET EXPRESSIONNiSTES | 07-11-2009
• SANS TITRE... Bernard Piffaretti | 06-11-2009
• COMPOSiTiON ROUGE ET BLEUE... Bernard Piffaretti | 05-11-2009
• SANS TITRE... Bernard Piffaretti | 04-11-2009
• PEiNDRE CE QU'ON NE DiT PAS ... Gérard Garouste | 03-11-2009
• NOUS NE ViEiLLiRONS PAS ENSEMBLE | 02-11-2009
• LE CORPS MiS à NU : DiANA QUiNBY, HERVé RABOT, JEAN RAULT | 01-11-2009
• QUi VOiT LA FiGURE HUMAiNE CORRECTEMENT... Pablo Picasso | 31-10-2009
• PAS LA PEiNTURE QUI M' iNTéRESSE... Gérard Garouste | 30-10-2009
• GéRARD GAROUSTE - LE CLASSiQUE ET L'iNDiEN | 28-10-2009
• L'HOMME iNVISiBLE... Philippe Perrot | 27-10-2009
• COMME ON FAiT DES CHANSONS... Robert Malaval | 26-10-2009
• SANS TiTRE... Bernard Piffaretti | 25-10-2009
• LA TêTE à TOTO... Bernard Piffaretti | 24-10-2009