A travers les oeuvres ou les écrits d'artistes d'hier et d'aujourd'hui, chercher à comprendre leur démarche artistique et à interroger le protocole créatif de ces artistes. 

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"Le Grammont" 1905, Ferdinand Hodler (1853 – 1918)
Huile sur toile, 65 x 105 cm, collection privée, Suisse 

Passions partagées
De Cézanne à Rothko, chefs-d’œuvre du XX^e siècle

dans les collections privées suisses
Du 26 juin au 25 octobre 2009

Pour ses 25 ans, l’Hermitage de Lausanne a sorti le grand jeu. L’institution propose un florilège de 108 œuvres allant «de Cézanne à Rothko».

Hommage à l’exposition inaugurale de la Fondation, L’impressionnisme dans les collections romandes (1984), mais surtout tribut à la clairvoyance des collectionneurs suisses, l’exposition de l’été 2009 veut marquer avec fougue l’anniversaire de la Fondation en mettant à l’honneur toutes celles et ceux qui, depuis 1984, ont généreusement accepté de partager en ces lieux leurs trésors avec le plus grand nombre. Placée sous le signe de la passion pour l’art, elle veut réunir, le temps d’une fête qui durera tout l’été, plus de cent chefs-d’œuvre du XXe siècle dans les collections privées suisses. 

"La ruse symétrique" 1928, René Magritte (1898 – 1967)

Huile sur toile, 54 x 73 cm, collection privée, Suisse

Bacon, Baselitz, Braque, Bonnard, Calder, Cézanne, Dalí, Sonia Delaunay, Derain, Dubuffet, Ernst, Francis, Giacometti, Hodler, Kiefer, Klee, Klein, Léger, Magritte, Matisse, Miró, Monet, Picasso, Renoir, Richter, Rothko, Rouault, Signac, Soulages, Vallotton, Van Velde, Vlaminck, Warhol… Tous ces artistes, et bien d’autres encore, seront présents dans cette exposition coup de cœur, qui conduira les visiteurs sur les chemins de crête de l’art moderne, de l’impressionnisme à l’expressionnisme abstrait.

La Fondation de l'Hermitage

Située dans une belle demeure du XIXe siècle, la Fondation de l’Hermitage accueille des expositions temporaires consacrées aux Beaux-Arts.

Elle est entourée d’un parc magnifique, ouvert en permanence au public.

Tout en menant au fil des ans les indispensables développements liés à son succès et à l’accroissement de ses activités ; construction d’un pavillon d’accueil et de nouveaux espaces d’exposition et de conservation, constitution d’une collection, installation d’un auditorium et d’ateliers pédagogiques dans la ferme , la Fondation de l’Hermitage s’est donné dès l’origine pour mission essentielle l’organisation d’expositions de haut niveau dans le domaine des beaux-arts. Plus particulièrement centrées sur les XIXe et XXe siècles, ces manifestations lui ont permis, depuis un quart de siècle, de nouer des relations privilégiées avec les collectionneurs privés de Suisse. Leur grande générosité, leur engagement fort en faveur des arts, et le soutien constant et amical qu’ils ont apporté à l’Hermitage sont au cœur de la plupart des expositions mises sur pied dans l’ancienne maison de maître.

Le banquier Charles-Juste Bugnion achète la propriété de l'Hermitage, sur les hauteurs de Lausanne en 1841. Il y fait construire une maison de maître d'après les plans de l'architecte Louis Wenger. Les travaux, commencés en 1842, durent neuf ans. Sa femme, Jeanne-Marie Bugnion, s'occupe du vaste parc alentour et y plante des essences rares pour l'époque. En 1976, les descendants de la famille Bugnion donnent la maison ainsi qu'une partie du parc à la ville de Lausanne, qui restaure le bâtiment et lui redonne son éclat. La même année, la fondation privée naît. Elle a pour but d'entretenir et de faire connaître la demeure et, depuis 1984 de développer le musée dans le domaine des Beaux-Arts. Depuis cette année-là, deux à trois expositions sont organisées chaque année. La collection de la fondation comprend plus de 800 oeuvres. Elle est constituée de dons, legs et dépôts, à commencer par ceux de la famille Bugnion, qui comprend une galerie de portraits remontants au XIIIe siècle. Des peintres postimpressionnistes et des peintres vaudois du XXe sont aussi exposés dans la galerie. Lucie Schmidheiny lègue en 1998 une collection exceptionnelle : des Degas, des Braque, etc. Divers mécènes et donateurs privés ont également enrichi les collections de l'Hermitage. La Fondation pour l'art et la culture lui a ainsi confié une collection riche de quelque 350 sculptures, peintures, dessins et gravures. Un ensemble de porcelaines chinoises, allant du XIIe au XIXe siècle, propriété de la Fondation Vergottis, constitue un autre dépôt important.

"La pisseuse (ou figure accroupie)" 2008, Philippe Lamiral 

Huile sur toile, 100 x 100 cm, collection de l'artiste

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"La Pisseuse" 1965, Pablo Picasso, huile sur toile. 195 x 97 cm
Donation Louise et Michel Leiris, 1984, centre Georges Pompidou 

Cette peinture, au sujet irrévérencieux, s’inspire pourtant d’une œuvre de Rembrandt, la Femme pissant, gravure conservée au Rijksmuseum d’Amsterdam. Picasso a toujours beaucoup admiré Rembrandt, tant pour son œuvre gravé que pour son œuvre peint : il a travaillé sur des portraits du maître dans une série de gravures de 1934 et a souvent fait référence à ses toiles, comme dans Le Peintre et son modèle de 1963 où il reprend le Rembrandt et Saskia de 1635. L’attachement au réel manifesté par ce peintre fascine Picasso, au-delà du mythe et de la noblesse de la grande peinture. Comme il le dit à Kahnweiler en 1955 : « Voyez Rembrandt ! Lui voudrait faire Bethsabée mais sa servante qui pose l’intéresse bien plus et c’est sa servante qu’il peint ».

La Pisseuse rend ainsi hommage à la peinture de genre, caractéristique de la peinture hollandaise, qui traite du banal et du grivois. Mais le personnage étant représenté à la grecque, de profil et vêtu d’une toge blanche, fait aussi référence à l’iconographie paillarde de certains vases et peintures antiques.
Cette toile est pour Picasso l’occasion d’expérimenter une nouvelle manière de peindre adaptée au grotesque du sujet, une touche hâtive, volontairement négligée, préservant un aspect mal fini, où l’exubérance et la vitalité l’emportent : une sorte d’ « argot de l’art, qui serait à la peinture de maître ce que l’argot est au langage ordinaire », comme l’écrit Adrian Stokes. Picasso annonce une nouvelle génération de peintres comme Robert Combas ou Hervé Di Rosa, regroupés en France sous la dénomination inventée par Ben Vautier de figuration libre.

"La peinture est plus forte que moi, elle me fait faire ce qu’elle veut"
 

                              Picasso, 27 mars 1963

"La femme qui pisse" 1631, Rembrandt, gravure, Rijksmuseum, Amsterdam 

"Femme se baignant dans une rivière" 1654, Rembrandt

 Huile sur bois, 61,8 x 47 cm, National Gallery, Londres

Le modèle est probablement Hendrickje Stoffels (de 1625/6-63) qui a vécu dans le ménage de Rembrandt depuis 1649 jusqu'à sa mort. Elle est devenue sa concubine et a porté une fille, Cornelia, qui a été baptisée sur le 30 octobre 1654 (l'année de cette peinture).

Il a été suggéré que la somptueuse robe rouge sur la rive indique que la peinture pourrait être un croquis pour une image religieuse ou mythologique. Le modèle pourrait être une héroïne de l'Ancien Testament, comme Susanne ou Bathshebé, ou la déesse Diane, se baignant espionnée par des hommes. Il n'y a cependant aucune preuve convaincante.

Le traitement de la peinture est exceptionnellement spontané. L'image apparaît non finie dans plusieurs parties, par exemple, dans l'ombre de l'ourlet de la chemise levée , le bras droit et l'épaule gauche, mais Rembrandt l'a trouvé suffisemment fini et s'en ai trouvé satisfait puisqu'il a signé et daté.

"Femme assise dans un fauteuil" printemps 1910, Pablo Picasso
Huile sur toile, 100 x 73 cm, centre Georges Pompidou, Paris

Cette toile, représentative des recherches menées par Picasso à l’époque de son étroite collaboration avec Georges Braque au Bateau-Lavoir, aborde un problème qui gouvernera le cubisme pendant les deux années à venir : la transposition, sans illusionnisme, d’une réalité en trois dimensions sur une surface qui n’en contient que deux.

Réalisée après une série de portraits peints et sculptés de son amie Fernande dans lesquels il s’attachait déjà à briser le volume du visage, Femme assise dans un fauteuil montre une image recomposée à partir d’une mise à plat radicale de l’espace. Le corps de la femme est fragmenté en multiples facettes, agglomérées les unes aux autres par un réseau de lignes noires qui forment une structure.
Mais en fournissant cette réponse picturale, Picasso s’engage du même coup dans une voie inconnue du point de vue iconographique.

Si l’ensemble hérite du motif cézannien de la femme en buste adossée à un fauteuil, dont on reconnaît encore la silhouette qui se démarque d’un fond neutre, la fragmentation du volume détruit toute caractéristique individuelle dans la représentation du modèle. Sa peinture bascule alors vers des formes qui s’éloignent de la réalité, à la frontière de l’abstraction.

"Si je connais Cézanne ! Il était mon seul et unique maître ! Vous pensez bien que j'ai regardé ses tableaux... J'ai passé des années à les étudier"

                               disait Picasso à Brassaï.

"Paysage au rouge carmin" 2009, Philippe Lamiral

Huile sur toile, 55 x 45 cm, collection de l'artiste

Mes peintures de « sujets paysages » n’ont pas nécessairement pour objectif de représenter une scène géographique, mais d’évoquer une métaphore pour un état psychologique.

Mes peintures, à la limite de l’abstraction me permettent au delà de leur réalité plastique d’évoquer des sentiments et des humeurs.

Mes travaux traduisent des énergies à travers des coups denses de peintures déposés  avec vivacité sur la toile!

Ma manière de travailler avec des empâtements ajoutés successivement sur la toile est le résultat de faire puis de défaire le tableau dans la durée de sa maturation !

Ainsi sur la toile  se construit une représentation picturale mais aussi l’expression  d’une mémoire dans laquelle s’est accumulée de multiples émotions…et des sensations abstraites.

Mes peintures créent une nouvelle expérience visuelle à chaque fois renouvelée selon  l’éclairage changeant de la journée.

Ces peintures expriment  de manière contemporaine et intemporelle différents degrés d’interprétations au niveau de la composition, des couleurs et de la lumière et surtout de l’histoire personnelle de chaque spectateur.

Je crée donc une peinture réaliste et concrète et un travail existentiel et expressionniste. Philippe Lamiral

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