A travers les oeuvres ou les écrits d'artistes d'hier et d'aujourd'hui, chercher à comprendre leur démarche artistique et à interroger le protocole créatif de ces artistes. 

http://www.artabus.com/lamiral 

"Autoportait" 1988, Martin kippenberger, huile sur toile, 200 x 240 cm

Heidi au pays de Martin Kippenberger

Consacrée à la scène artistique allemande dans le cadre de la coopération culturelle entre la Région Aquitaine et le Land de Hesse, cette exposition est présentée, en deux volets complémentaires, sur deux sites

Martin Kippenberger dans son atelier à  Friesenplatz, Cologne, 1983

Photographie de Benjamin Katz

Martin Kippenberger, "Kippi" pour les intimes, est un artiste surdoué, révolté, extraordinairement prolifique et, pour certains, un peu fou. Classé comme nouveau fauve, ses peintures insouciantes, ses sculptures violentes, ses installations imposantes et critiquées par l'opinion religieuse, sèment le trouble chez les spectateurs du monde entier. Provocateur, comme avec ses tableaux à accrocher au-dessus des canapés, ses questions telles que "Vous souvenez-vous encore des ongles du ministre français de la Culture, Jack Lang ?" ou ses proverbes volontairement banals comme, "Nous n'avons pas de problèmes avec les portiers de discothèques, s'ils ne nous laissent pas entrer, nous ne les laissons pas sortir', ou encore, "L' abîme n'est pas profond, mais creux". Un univers empreint d'un réalisme grotesque et fantasque. Dès son enfance, ses instituteurs remarquent ses prédispositions pour la pratique des arts plastiques, et son dévouement intellectuel pour cette matière. Il s'oppose d'ailleurs volontiers à ses professeurs lorsqu'il les juge mauvais. La franchise de l'artiste agace ou fascine parce qu'il contraint le spectateur à accepter ses provocations et ses idées, les bonnes comme les mauvaises, car, pense-t-il, "La vérité, c'est le travail" . Son oeuvre est une évocation de sa vision de la réalité, de la vie, et de l'art. Kippenberger laisse derrière lui, à l'âge de 44 ans, un grand nombre d'oeuvres, boudées (de son vivant) par les collectionneurs, et trop provocantes pour les musées. Malmener notre "soi-disant" ouverture d'esprit, pour l'élargir un peu plus, voilà ce qui intéressait "Kippi".

 

"Oedipe et le Sphinx" Jean Auguste Dominique Ingres, huile sur toile, vers 1826-1827

The National Gallery, Londres

Les tableaux néoclassiques d'Ingres et ceux, cauchemardesques, de Bacon n'ont a priori rien de commun. Les silhouettes statiques, aux contours fermés, du premier sont aux antipodes de celles, fragmentées et torturées, du second. Le Britannique admirait pourtant le Français. Il appréciait particulièrement la sensualité de ses corps, exécutés en dehors de toute volonté de reconstitution anatomique. Bacon partageait également sa fascination pour l'Antiquité. C'est la raison pour laquelle ce tableau mettant en scène ?dipe qui résout l'énigme du Sphinx avait attiré son regard. La toile, version réalisée par Ingres en 1826, met en scène le triomphe de l'intelligence humaine. On y voit le héros grec, sous les traits d'un majestueux athlète nu, affrontant calmement le monstre, dont la tête inclinée symbolise la soumission. Dans le tableau de Bacon, daté de 1983, les rôles sont inversés. Comme chez Ingres, ?dipe est peint de profil. Mais, chez le Britannique, il est blessé. Du sang macule le bandage qui enveloppe une de ses jambes. Une créature ailée se dessine dans le fond noir du tableau. Cette «Furie», agent de la vengeance divine, contribue à l'atmosphère dramatique de la scène. Car elle est, elle aussi, couverte de sang.

"Oedipe et le sphinx d'après Ingres" 1978, Francis bacon  

"Oedipe et le Sphinx d'aprés Ingres" 1983, Francis Bacon

198 x 147,5 cm , collection particulière , Californie

Ces oeuvres de F. Bacon représente le continuum temporel, esthétique et philosophique qui existe entre les différentes strates de la création artistique. Le mythe antique est ici revisité à travers un double filtre : celui de la subjectivité de l’artiste-modèle, Ingres, dont Bacon revendique la filiation jusque dans le titre de ses toiles, et celui de la vision personnelle du peintre qui se réapproprie le motif et ses traitements précédents. Ainsi, par la mise en valeur de certains détails, comme les pieds percés d’OEdipe, à peine visibles chez Ingres, Bacon confère une nouvelle portée symbolique au mythe : l’artiste, comme le héros, s’inscrit dans une filiation à la fois illustre et maudite, dont il porte les stigmates. Entre signe d’élection et trace de souillure, cette marque ne lui laisse d’autre choix que d’assumer ses origines (esthétiques) et de tenter de conjurer la malédiction en la sublimant par l’art.

 "Œdipe et le Sphinx after Jean Auguste Dominique Ingres (Pictures of Junk)"

2006, Vik MUNIZ, photographie chromogénique (C-print), 237 x 180 cm
New York, atelier de l’artiste

Ingres et les Modernes

Le Musée Ingres à Montauban

du 4 juillet au 4 octobre 2009

"La Source" 1856, Ingres, Huile sur toile, 164 x 82 cm

Musée d’Orsay, dépôt du musée du Louvre, Paris

"La Source de l’Invasion" 2008, Invader, MTB-01

Montauban, rue du Tescou , mosaïque, 256 x 172, photographie de l’artiste

Depuis quelques mois on peut admirer, rue du Tescou à Montauban, une mosaïque d'Invader. Cet artiste français est mondialement connu pour avoir envahi les rues d'un grand nombre de villes avec les reproductions de personnages d'un célèbre jeu des années 1970, «Space Invaders». La Source de l'Invasion, imposante mosaïque noire et blanche, d'une taille inhabituelle pour l'artiste, se trouve en contrebas du Musée Ingres. Inspirée de la Source d'Ingres, elle en reprend le sujet : une jeune femme nue tenant une cruche, d'où s'échappent quelques invaders, qui s'apprêtent à conquérir le monde (d'où le titre).

Invader s'inscrit dans plusieurs démarches. D'abord la contamination de l'espace visuel public, souvent déjà pollué, par un virus artistique qui se rend ainsi accessible à tous. En effet, la Source de l'Invasion est bien visible par sa taille (plus de 2 m), par sa situation dans un lieu très fréquenté, par le traitement graphique en noir et blanc ainsi que par le contraste qu'elle crée avec le milieu environnant (Montauban, ville d'Ingres, se prête a priori plus au classique qu'au moderne).

La rencontre entre la pixellisation et la technique de la mosaïque, particulièrement adaptée au thème pour rendre la piètre qualité graphique des jeux vidéo anciens permet la transposition du monde du jeu, créé de toutes pièces, dans celui de la réalité, incontrôlable. Invader ouvre ici un cercle réservé à quelques initiés, celui d'un monde saturé d'œuvres de référence et de techniques modernes et classiques qui s'entrechoquent pour donner naissance à de nouvelles tendances artistiques désormais à la portée du plus grand nombre...

La Source de l'Invasion lie l'œuvre d'Ingres à l'univers actuel par la simplification extrême du dessin, qui trouve un écho dans le manichéisme. Cette simplification contribue à la visibilité, à l'accessibilité, et donc à la contamination rapide et efficace des passants, pour ajouter Montauban au tableau des villes touchées par l'envahisseur. Outre la référence au retrogaming et l'hommage à Ingres qu' elle constitue, cette œuvre porte un sens symbolique : la source, ou les origines du «virus artistique» serait-elle dans l' œuvre d'Ingres...?

Michel Butor, « Ballade sur Ingres » (1982)

Jean Dominique Ingres photographié par Aldolphe D. Disderi
Vers 1860, collection particulière

Le musée Ingres crée l’événement en proposant une exposition savante et jubilatoire, iconolâtre et iconoclaste, qui rend hommage à la modernité de Jean-Auguste-Dominique Ingres en réunissant plus de 200 oeuvres venues du monde entier. Les chefs-d’oeuvre du maître sont placés sous les feux, respectueux ou impertinents, d’une centaine d’artistes qu’il a influencés et qui témoignent de sa féconde postérité.
Quel meilleur commentaire d’une œuvre d’art qu’une autre œuvre d’art ?

C’est ce que propose cette manifestation en faisant appel à d’illustres plasticiens de renommée internationale comme Picasso, Dalí, Robert Rauschenberg, Francis Bacon, David Hockney ou Martial Raysse, tout en accordant une place importante à la jeune scène hexagonale, ainsi qu’à des créateurs reconnus d’origine allemande, anglaise, belge, brésilienne, colombienne, danoise, espagnole, islandaise, italienne, japonaise, libanaise, péruvienne, polonaise, roumaine, russe, soudanaise, suédoise, yougoslave. Quelle que soit l’insolence apparente de certains témoignages, l’intention est de montrer, grâce au regard de ses successeurs, le maître de Montauban dans sa complexité, sa plénitude et son rayonnement.

Le célèbre Bain turc peut compter sur un tête-à-tête avec des créations plus jeunes. Notons la vision de l'artiste Sylvia Sleigh, qui s'est plu, en 1976, à masculiniser les sujets du fameux tableau...

Pour mener à bien ce projet, quelque 115 collections publiques ou privées ont été sollicitées dans une douzaine de pays répartis sur trois continents : Europe (y compris Russie), Amérique du Nord et Asie (Corée, Japon…).
Parmi les artistes vivants, toutes les générations sont réunies, de Sylvia Sleigh (93 ans) à Nancy Lang (30 ans)! Et les techniques les plus diverses sont sollicitées: peinture, dessin, sculpture, photographie, gravure, collage, création assistée par ordinateur, vidéo, installation in situ, art interactif, street art ou performance…

Oedipe et le Sphinx, d'après Jean-Auguste Dominique Ingres (Picture of Junk), de Vik Muniz. À droite: Oedipe et le Sphinx, de Jean-Auguste Dominique Ingres.

L’exposition dépasse les limites des salles de l’ancienne résidence des évêques de Montauban qui présente les plus grands chefs-d’oeuvre - parmi lesquels les fameux portraits de Mademoiselle Rivière et de Monsieur Bertin, exceptionnellement confiés par le musée du Louvre - venus dialoguer avec des productions aussi célèbres que Le Violon d’Ingres de Man Ray, l’Oedipe et le Sphinx de Francis Bacon, ou l’interprétation de Mademoiselle Rivière par Larry Rivers. Elle envahit, pacifiquement mais de façon insidieuse, la ville entière, se répand sur la façade de la cathédrale (Ernest Pignon-Ernest), dans les rues (Invader et Miss.Tic), sur le monument à Ingres d’Étex « customisé » par les étudiants de l’IUP d’arts appliqués de Montauban qui voisine avec La Chaise de madame Gonse de Paul Duchein déjà installée en ville. Enfin, le fameux manifeste féministe des Guerrilla Girls (New-York, 1989 / Montauban, 2009), où la Grande Odalisque est affublée d’une tête de gorille, circulera dans toute la ville, multiplié sur les flancs d’autobus.

Cette exposition veut suggérer que le regard sur la postérité du maître de Montauban doit rester
curieux et dynamique, voire paradoxal : Ingres lui-même nous invite à mieux apprécier une œuvre du
XXe siècle, alors que celle-ci nous conduit à jeter un regard insolite sur son univers ainsi renouvelé.

Le Musée Ingres à Montauban

 

Palais épiscopal du XVIIè siècle, il abrite les collections de deux illustres Montalbanais, le peintre Jean-Auguste-Dominique Ingres et le sculpteur Antoine Bourdelle. Superbe salle du XIVè siècle : Archéologie gallo-romaine, Collection de faïences, Oeuvres contemporaines : O. Debré, Zao Wou-Ki ... 5 niveaux de visite, et des siècles d'art à découvrir ! 

Aujourd'hui six salles du premier étage sont consacrées à Ingres. On y trouve de grandes compositions révélant l'influence de l'Antiquité et de Raphaël mais aussi des oeuvres de jeunesse, réalisées dans l'atelier de David ou plus tard à Rome à la villa Médicis où il fut pensionnaire, puis directeur.

 

Quelques études peintes et, bien sûr, de célèbres portraits (Mme Gonse) complètent l'évocation de la longue carrière de l'artiste. Les dessins sont présentés par roulement dans trois salles.

Les goûts et les passions du maître de la grande odalisque se découvrent au 2ème étage oû sont présentées ensemble ses collections archéologiques, ses objets précieux, ses peintures italiennes ou flamandes et ses copies d'après Raphaël ou Poussin. Dans les salles suivantes, les oeuvres exposées retracent l'histoire de la peinture du XVIème au XVIIème siècle, tant en france qu'à l'étranger. Les fastes du XVIIème siècle français sont évoqués par Lebrun, Lessueur et Mignard, tandis que le réalisme cher aux écoles du nord perce chez Jordaëns, Van Dyck et Cuyp. Enfin, une importante section est consacrée à l'art du XVIIIème siècle depuis le sensuel Boucher jusqu'au brillant David.

 

Au rez-de-chaussée, le salon doré rend hommage à Armand Cambon, ami et élève d'Ingres, qui fut aussi le premier conservateur du musée.

Ensuite les sculptures de Bourdelle, autre célèbre Montalbanais, puis les oeuvres des artistes de l'école de Montauban: Marcel-Lenoir, Andrieu, Cadène et Desnoyer annoncent les contemporains de la seconde moitié du XXème siècle (Olivier Debré, Zao-Wou-Ki, Vieira da Silva...) présentés dans la chapelle. Au premier sous-sol, deux salles sont réservées à la céramique française et étrangère des XVIIIème et XIXème siècles. On y découvre notamment les pots à pharmacie d'Ardus et le célèbre pot à thériaque de Montauban.

Enfin, la salle du Prince Noir, au second sous-sol, abrite d'importantes collections archéologiques régionales.

"Sans titre"  Circa 1990, Olivier Debré (1920-1999)

Huile sur toile, 38,5 x 46,3 cm, collection Galerie Carré

La Peinture de paysage

Espace EDF Electra - Paris
du 04/06/2009 au 30/08/2009

 

"Bateaux au coucher du soleil" non daté, Maxime Maufra (1861-1918)

Huile sur toile, 33,5 x 41 cm, collection Musée Daubigny à Auvers-sur-Oise

 

Dans le cadre de son action en faveur de la culture et de la nature, la fondation EDF Diversiterre accueille dans son espace de la rue Récamier au 2° étage  une exposition d’une cinquantaine d’oeuvres consacrées à la peinture de paysages de France du XVIIIe au XXe siècle, organisée par la ville de Meudon et l’association « les Amis du paysage français ».

Les grandes étapes de cette peinture seront évoquées, à travers notamment :

 

- le paysage classique (J.V. Bertin),

 

- la naissance de la peinture de plein air (J. Dupré, Th. Rousseau, Ch.Fr. Daubigny, J.B. Corot),  

"Bord de rivière" non daté, Jules Dupré

Huile sur toile, 38 x 54,5 cm, collection  musée d’art et d’histoire de Meudon

"Le plateau de Valmondois" 1873, Charles-François Daubigny

Huile sur toile rentoilée, 40 x 56 cm, collection musée d'art et d'histoire de Meudon

 

 

- l’impressionnisme (A. Lebourg, A. Guillaumin),

"Le port de La Rochelle" Circa 1900, Albert Lebourg

Huile sur toile, 50 x 73,5 cm, collection musée d'art et d'histoire de Meudon

"Le Pont Charraud"  Circa 1905, Armand Guillaumin

Huile sur toile - 65 x 81 cm, collection musée d'art et d'histoire de Meudon

 

- l’émancipation du réel (A. Lhote, Ch. Lapicque), 

"Le village" non daté, André Lhote, aquarelle

 29 x 38,5 cm, collection musée d'art et d'histoire de Meudon

 

"Les bords du Trieux" 1961, Charles Lapicque

Huile sur papier marouflé sur carton, 21,5 x 34 cm, collection musée d'art et d'histoire de Meudon

 

- le paysage abstrait (M. Estève, O. Debré).

 

"Soleil couchant" 1943, Maurice Estève

 Huile sur toile, 27 x 35 cm, collection Galerie Carré

 

Un parcours thématique a été retenu, comprenant cinq sections : la montagne, la forêt, la campagne, les bords de l'eau et la mer.

À l’origine un amateur éclairé, Christian Grellety Bosviel, a réuni dans les dernières années de sa vie, de 2002 à 2005, une collection de tableaux. Selon Vincent Pomarède, directeur du département des peintures du musée du Louvre, cet ensemble offre " un panorama de qualité des principaux courants picturaux qui, depuis le début du XIXe siècle, ont permis à la peinture de paysage d’acquérir le statut de genre à part entière ". L’exposition mettra en valeur le parcours de ce collectionneur.

Par leur qualité, les oeuvres ainsi réunies ont séduit le maire de Meudon qui en a accepté la donation. Cette dernière constitue le noyau du futur « musée vivant du Paysage français », dont l’ouverture au public est prévue pour 2011 au sein du musée d’Art et d’Histoire de Meudon, entièrement rénové.

Les nouvelles acquisitions de la ville de Meudon, des prêts de Musées de France (musée Daubigny à Auvers-sur-Oise, musée Lambinet à Versailles, musée Maurice Denis à Saint-Germain-en-Laye, musée Pissarro à Pontoise), de galeries parisiennes et de particuliers viendront compléter cet ensemble et confirmer l’intuition du collectionneur.

 

 

 

Espace EDF Electra

75007 Paris

Dans une de ses anciennes sous-stations électriques, la Fondation Electricité de France fonde en 1990 un espace muséal pour y présenter des expositions thématiques. Consacrées à la nature, au patrimoine, ou à l'art contemporain, elles ont pour mission de rendre à la "fée électricité" sa puissance poétique. Cet espace entend en effet faire de la lumière un média créateur et porteur de sens. Le cinéma, la photo et les nouvelles technologies y sont donc à l'honneur.

"Sans titre" 1996, Bernard Piffaretti, acrylique sur toile, 144 x 139 cm

Collection du FRAC Basse Normandie

Exposition "l'artiste et la contrainte" proposée par le service éducatif du FRAC de Basse-Normandie en 2000/2001

Extraits d'entretiens avec Piffaretti : Bernard Piffaretti conférence du 11 février 1998 à l'école nationale des beaux-arts de Bourges :

 '' ...je suis un peintre traditionnel (le châssis, la toile, la peinture, les pinceaux)et je montre platement les principes essentiels et les questions de la peinture..." - "... rapport avec le tableau, échange physique, concentration du temps, etc..." "je fais des tableaux". - ...mes tableaux devront toujours être compris comme les éléments d'un ensemble." - les tableaux seront alors tous différents mais assemblables entre eux." - lorsque l'on regarde un tableau il n'est pas possible de définir quelle partie est première - tout est fait pour que le tableau reçoive une peinture sans qualité, des faits divers. Le deuxième côté ne cherche pas à imiter le premier, il devient, peinture." n'y a pas reconnaissance d'une forme particulière dans mes peintures ou d'un style véritablement identifiable ... c'est la duplication qui forme le tableau..." ''...le marquage central, cet instant, cet entre-les-deux, ni l'un, ni l'autre. Cette méthode de duplication jette à la poubelle l'évidence de la question de l'original et de la copie et fait apparaître la question temporelle." le tableau ne représentera finalement jamais quelque chose, il présentera la peinture"

Entretien entre Bernard Piffaretti et Werner Meyer Catalogue B. Piffaretti 1991 Co-Edition Villa Arson, Musée des Beaux - Arts de Nantes, Hôtel des Arts "... le redoublement me permet de refroidir tout acte gestuel ou pulsionnel."

Piffaretti est né en 1955 à Saint Etienne. Depuis le milieu des années 80, Piffaretti utilise un procédé qui va devenir définitif et systématique dans son travail plastique. Une toile est tendue sur un châssis. Il peint un trait vertical à la moitié de son tableau, et obtient ainsi deux surfaces identiques. Puis il réalise une peinture sur un des deux côtés (il peut commencer par la partie droite ou par la partie gauche). Lorsqu'il trouve sa peinture suffisante, il la reproduit sur l'autre moitié en employant les même gestes, les même couleurs ... Le procédé étant manuel, Piffaretti obtient des différences inévitables entre les deux parties. Ce qui l'intéresse alors, c'est l'acte de refaire. Il peint dans sa première partie, un motif plutôt simple, gestuel ou non, avec des couleurs sans qualité particulière. Il ne s'attache à aucun style, à aucun manière de peindre. Lorsqu'il copie, il ne se pose plus la question du quoi peindre ni celle du comment peindre. Pour Piffaretti : ... "Ce n'est plus une copie ... Il s'agit vraiment d'un déplacement, un temps entièrement dédoublé ... La duplication montre un effet de rémanence, pour dire " la deuxième fois qu'il existe dans l'histoire de la peinture ... Le deuxième côté ne cherche pas à imiter le premier, il devient peinture"...

"Le lac Léman vu de  Chexbres" 1905, Ferdinand Hodler, huile sur toile, 82,5 × 104 cm

 Kunstmuseum, Bâle

"La ressemblance doit être saisissante ! "

            Ferdinand  Hodler 

Peintre symboliste, né à Berne le 14 mars 1853 et décédé à Genève le 19 mai 1918, Hodler est considéré comme un artiste suisse majeur de la fin du XIXe et du début du XXe siècle. Après avoir achevé sa formation de peintre-décorateur, il s'installe à Genève en 1872. Inspirées par les peintres suisses d'Anker, de Koller et de Calame, ses premières toiles déconcertent la critique genevoise par leur réalisme âpre et leur originalité. Son séjour à Madrid en 1878 incite Hodler à se tourner vers l'abstraction et à remplacer sa palette terreuse par des couleurs plus aériennes, teintées d'impressionnisme. Le peintre se tourne rapidement vers le symbolisme, comme en atteste sa toile "La Nuit", très remarquée par Pierre Puvis de Chavannes au Salon du Champ de Mars en 1891. Ce dernier devient alors son maître et l'encourage à créer des compositions murales et des tableaux de groupes idylliques révélant des personnages vêtus à la mode antique, tel son "Dialogue avec la nature". Influençant les sécessions européennes, Hodler délaisse pourtant progressivement l'expressionnisme caractérisant ses figures géométriques des années 1880, et renoue avec le réalisme de la couleur. Ses plus fameuses toiles représentent alors des scènes rustiques, comme le célèbre "Bûcheron", conservé au Musée d'Orsay à Paris. Le peintre bernois est en outre un paysagiste hors pair comme le prouvent ses représentations de lacs et de massifs montagneux, véritables métaphores de l'énergie vitale, de la vérité et de la lumière. Il pratique aussi l'autoportrait, réalisant ainsi une sorte d'autobiographie à travers près de deux cents peintures et dessins. Exclu des sociétés artistiques allemandes pour avoir dénoncé les exactions réalisées par l'artillerie contre Reims, l'artiste est ensuite très affaibli par le décès de sa maîtresse Valentine Godé-Darel en 1915. Il meurt trois ans plus tard, laissant à la postérité des peintures inachevées des rues de Genève.

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