PEINTURE CONTEMPORAINE CONTEMPORARY ARTIST'S PAINTINGS

PHILIPPE LAMIRAL / ARTISTE PEINTRE

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"L'arbre jaune" (89 x 116 cm)

http://www.artabus.com/lamiral

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Philippe Lamiral travaille longtemps par couches successives sur une même toile et fait apparaître l'expression de la peinture ; il opère une transformation de la matière par l'énergie et par la volonté d'aller plus loin. Il peint non plus le sujet mais la « peinture » et s'intéresse de plus en plus à la couleur ! Les paysages archétypes ou les figures qu'on reconnaît sous l'épaisse matière, dans la tradition classique des thèmes de la Peinture lui permettent désormais de peindre sans souci de signification...

Son oeuvre est cotée sur artnet et dans le Guide Meyer.

Philippe Lamiral works for a long time by successive coats on the same painting and creates the expression of the painting; he operates a transformation of the material by the energy and by the will to go farther. He paints either the subject but the "painting" and is interested more and more in the color! The landscapes archetypes or the figures which we recognize under the thick material, in the classic tradition of the subjects of the Painting allow him henceforth to paint carefree of meaning... His work is quoted on artnet and in the Guide Meyer.

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A travers les oeuvres ou les écrits d'artistes d'hier et d'aujourd'hui, chercher à comprendre leur démarche artistique et à interroger le protocole créatif de ces artistes.

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LiLAS... Jean-Yves Aurégan | 02 août 2009

"Lilas" 2008, Jean-Yves Aurégan, huile sur toile, 65 x 48 cm

Jean- Yves Aurégan est né le 7 avril 1967 à Rennes en Ile et Vilaine. Formation artistique à l’école régionale des Beaux Arts de Rennes. Il obtient le DNSEP (Diplôme National Supérieur d’Etudes Plastiques).

Depuis 2000 il s’est établi à Crézancy en Sancerre dans un cadre lui permettant un travail en atelier mais surtout en extérieur. Il travaille essentiellement par séries. Son médium de prédilection est la peinture à l’huile, il prépare lui-même ses couleurs et réalise de nombreux dessins d’études préparatoires.

Ses travaux l’ont notamment amené à donner naissance à des œuvres sur différents thèmes : Les torrents ; Les bœufs écorchés (d’après Rembrandt) ; Les chairs "Les Médée" Une série de portraits et de crânes. Un travail en hommage à Van Gogh : "les Lilas" Sa dernière série, le « chemin ocre-rouge ».

Après des études aux Beaux Arts de Rennes, il commence une carrière artistique. Les toiles nous livrent des espaces apparemment sans corps, le sujet s’efface laissant place à des espaces presque blancs néanmoins tactiles et envoûtants.

Peu à peu le corps humain revient, dans l’image du "Bœuf Ecorché" selon Rembrandt. Un jour, il se rend avec Hugo Gayrard (son ami photographe) dans les abattoirs de la Vilette ; ensemble ils scrutent les livreurs et se postent devant les frigos roulant pour figer la réalité de ces chairs entières, crues, dépecées, crochée, sans vie. Il peut enfin revenir à la forme, au sujet du corps.

En 1994 il peint ses Bœufs écorchés et autres bestioles en préambule au corps humain. D’ailleurs la bête figure aussi au coté d’une femme muette. D’aucun y discerneront une symbolique certaine; peu importe, son sujet est là : bœufs, corps humains.

Jean-Yves Aurégan reprend son souffle dans des séries de paysages des Corbières. A l'ombre des cyprès il enchaîne des paysages vigoureux enveloppants, pied de nez aux bœufs. Lorsqu’il rentre à Paris il se confronte à sa Médée, ses "Médée", celle de la toison d’or, une longue série monumentale et signifiante que Jean-Yves Aurégan commence à dévoiler au tout début des années 2000 ; une série entrecoupée de figures de couples, de femmes étendues (son couple, sa femme).

Plus récemment, vers 2005 la figure de Bethsabée de Rembrandt, femme du Roi David et future mère de Salomon s'impose à Jean-Yves Aurégan.
Dans le même temps, il échouait épuisé mais tourmenté devant des paysages avant de maîtriser enfin de modestes Lilas du jardin. Des lilas où réapparaît Vincent Van Gogh. Dès lors, Jean-Yves Aurégan entreprend de reconquérir le paysage : il produira la série de paysages " le Chemin ocre-rouge".

Publié par philippelamiral à 07:31:18 dans AUREGAN Jean-Yves (expressionnisme et matière) | Commentaires (1) | Permaliens

RETOURNER LES iMAGES... Georg Baselitz | 01 août 2009

"Sieben mal Paula (sept fois Paula) " 1987- 1988, Georg Baselitz

Huile sur toile, 195 x 172 cm

Pour expliquer son attitude agressive et iconoclaste – Rappelons que Picasso considérait que la peinture devait être une arme de guerre –,

Baselitz dit :

"Lorsque vous êtes jeune, vous voulez toujours modifier le monde. Et pour changer le monde, vous devez d’abord détruire ce qui existe, et alors il faut d’abord détruire la peinture parce que c’est la chose la plus stable du monde. Les guerres détruisent les hommes, les maisons, des nations entières, mais pas la peinture. La peinture est préservée.

Mais si vous aimez ces peintures, comment pouvez-vous les détruire ? D’abord il faut trouver quelque chose qui n’a jamais été fait. En conséquence, ma tâche est d’agir de façon à ce que les autres peintures existantes soient éliminées, que seule la mienne existe. Je sais que cette attitude n’est pas très sérieuse, mais je pense que tous les artistes fonctionnent selon ce principe… Lorsque vous regardez tout ça, vous vous dites : “Qu’est-ce qu’il me reste à faire, quel type de destruction vais-je opérer ?” Pour ne pas succomber [à la convention] vous devez hisser le drapeau, vous affirmer, ne jamais baisser la garde."

Georg Baselitz

C’est pour la liberté qu’ils incarnent que les régimes totalitaires n’ont de cesse de museler les artistes. On est en droit de penser que l’attitude de Baselitz est une réaction à cette soif de liberté dont il a été privé pendant sa jeunesse, ayant successivement vécu sous le nazisme et le régime communiste de la RDA.

La déclaration de guerre aux oeuvres des artistes qu’il admire,

Baselitz l’adresse aussi à ses propres oeuvres. Il confie :

"Quand j’ai décidé de retourner les images, j’ai été serein un moment… Mais au bout d’un certain temps le problème s’est posé à nouveau… Vous n’en n’avez jamais fini. Pendant 25 ans j’aimais les peintures que je faisais, mais il fallait aussi que je les détruise."

Cette citation un peu longue nous éclaire sur les objectifs que Baselitz s’est fixés et auxquels, à ce jour, il n’a jamais dérogé. Bousculer l’ordre établi, choquer le bon goût, s’attaquer aux icônes de l’art, comme il le dit dans ce texte, n’est pas nécessairement la marque d’un ego surdimensionné ou le moyen de s’assurer un succès médiatique par le scandale, mais répond surtout à la nécessité d’imposer sa singularité en tant qu’artiste et d’en assumer toutes les conséquences – Il constate que « dans l’histoire de l’art pour se faire remarquer il ne faut pas tenter de faire quelque chose de plus beau, cela ne sert à rien, il n’y a aucun exemple; il faut danser à rebours, contredire ce qui a cours ».

Publié par philippelamiral à 07:40:07 dans PAROLES DE PEINTRES | Commentaires (1) | Permaliens

JEAN-YVES AURéGAN | 31 juillet 2009

"Champ de fleurs" 2008, Jean-Yves Aurégan, huile sur bois, 30 x 20 cm

Depuis toujours, l’artiste peintre Jean-Yves Aurégan travaille dans le sens de restituer le regard qu’il porte sur les choses et l’interprétation de ce regard. Sa dernière série, « Le chemin ocre-rouge », est constituée de soixante oeuvres en hommage à Vincent Van Gogh et Paul Ferdinand Gachet. Dans le cadre de l’opus 29 du Festival international de musique d’Auvers, le compositeur Régis Campo et le peintre Jean-Yves Aurégan mêleront leurs talents au cours d’une rencontre à la Galerie d’art contemporain (en juin).

Jean-Yves Aurégan « Le Chemin ocre-rouge »

Du 24 avril au 4 octobre 2009
Galerie d’art contemporain
5 rue du Montcel
Auvers-sur-Oise (95)

Artiste plasticien associé à la manifestation du centenaire de la mort du docteur Gachet, Jean-Yves Aurégan est aussi l’artiste invité du 29è opus du festival international de musique d’Auvers-sur-Oise, l’un des plus prestigieux d’Europe. Dans « le Chemin ocre-rouge », sa dernière série, il rend hommage à Van Gogh dont la peinture l’a profondément troublé lorsqu’il était enfant et réinterroge son œuvre. Dans un langage corporel et un engagement total dans la peinture, Aurégan peint une nature exubérante, colorée, sensuelle et lumineuse, avec une épaisse matière (huile qu’il prépare dans de grands pots et à laquelle il adjoint de la paille, des racines, des cailloux, parfois des objets d’atelier) qu’il travaille directement à la main, affectionnant les grands formats. S’inscrivant dans l’histoire de l’art, Aurégan, fils de peintre et qui à 12 ans a déjà visité les plus grands musées d’Europe, cite pêle-mêle ses influences, Van Gogh, l’ombre tutélaire, mais aussi Rembrandt et Rebeyrolle…Dans ses tableaux, on retrouve aussi la lumière et les empâtements de Leroy, l’intensité de la matière de Fautrier. On y voit surtout un jaillissement de vie dans lequel on devine un champ de blé, des coquelicots, des tournesols, un arbre, des hortensias...et on a envie de plonger la main dans ce magma sculpté à la main. Soixante toiles et œuvres sur papier sont à découvrir. Le très beau catalogue que lui consacrent les éditions Les Intemporelles permet d’en savoir plus sur cet artiste né en 1967, diplômé de l’Ecole des Beaux Arts de Rennes et qui vit et travaille près de Sancerre. Catherine Rigollet

Atelier de Jean-Yves Aurégan

A l’occasion du centième anniversaire de la mort du docteur Paul Ferdinand Gachet (1828-1909), la ville d’Auvers-sur-Oise propose de découvrir un itinéraire artistique dans ses différents sites culturels (Musée Daubigny, Maison Gachet, Château, Musée de L’Absinthe, Galerie d’Art Contemporain)

Du 24 avril au 4 octobre 2009
« Une folie de couleurs à Auvers-sur-Oise »

Depuis longtemps l’artiste au cours de nombreux séjours dans le village venait se promener sur les pas de Vincent Van Gogh. C’est le fruit de ses réflexions sur la peinture, sur les raisons de son inspiration et plus particulièrement sur l’interprétation du regard que l’on porte sur les choses, que l’artiste nous livre aujourd’hui dans ses dernières créations.

Publié par philippelamiral à 08:02:14 dans EXPOSITIONS | Commentaires (1) | Permaliens

BASELiTZ | 30 juillet 2009

Zero für den Maler (Zéro pour le peintre)" 2005, Georg Baselitz

Gravure, 66,70 x 50 cm, encadré : 84,5 x 60 cm

Georg Baselitz dans son atelier, photographe Elke Baselitz

Baselitz

Hôtel des Arts de Toulon

Du 13/06 au 27/09/09

"un peintre moderne ; remix" 2007, Georg Baselitz, huile sur toile, 250 x 200 cm

"Eine unvergessene Begegnung (une rencontre inoubliable)" 2002, Georg Baselitz

Encre et aquarelle sur papier, 197 x 163 cm

Baselitz est une figure majeur de l'art contemporain. D'une rare agressivité, cet artiste affirme que son objectif est de détruire tout ce qui a été fait en art par ses oeuvres. Son but est d'être toujours dans l'inconnu, en contradiction avec l'art existant. Mais, lorsque l'on peint depuis quarante ans, arrive un moment où l'on fait parti du passé que l'on veut détruire. Baselitz alors, fidèle à ses propos, s'attaque à lui-même.

Beuys réhabilite l’art allemand en le lançant dans le courant conceptuel, vingt ans avant la génération des “nouveaux fauves”, Georg Baselitz réinvente une peinture de la figure humaine. Portrait d’un des artistes les plus provocateurs de cette fin de siècle.
Comment présenter une nouvelle exposition consacrée à Georg Baselitz, un des monuments de la peinture des cinq dernières décennies?
Tellement de choses ont été écrites à son sujet depuis son entrée fracassante sur la scène de l’art en 1963 lorsque Michael Werner et Benjamin Katz ont inauguré leur galerie de Berlin par une exposition qui lui était consacrée. Deux de ses peintures avaient fait scandale ; l’une d’elles montrait un homme nu doté d’un gigantesque phallus (L’homme nu) et l’autre un homme visiblement en train de se masturber (La grande nuit foutue). Les deux toiles avaient alors été confisquées par la justice pour délit d’indécence publique. L’artiste et les galeristes avaient été condamnés à une amende.

Une autre preuve de cette attitude rebelle et provocatrice – il est significatif qu’il réalise en 1965 un tableau intitulé Le rebelle – nous est apportée en 1969 lorsqu’il peint La Forêt tête en bas, la première d’une très longue série de peintures avec le motif à l’envers, qui immédiatement distingue Baselitz de tous les autres artistes et assure sa célébrité internationale.

À partir de 1995, Baselitz amorce une phase nouvelle en se penchant sur son passé, sans doute avec nostalgie, mais surtout, comme toujours chez lui avec l’envie d’engager une nouvelle bataille. Il commence alors à peindre des tableaux d’après de vieilles photos de famille ou d’autres images qui avaient bercé son enfance et son adolescence.

Cette investigation autobiographique s’accompagne d’une rupture brutale dans sa façon de peindre : lui le peintre matiériste par excellence, qui accumulait les couches de peinture jusqu’à l’excès, utilise désormais la peinture à l’huile très délayée, quasiment liquide. « Une peinture aussi mince que de l’eau, sans contours, comme cela doit être pour des aquarelles ». C’est avec cette nouvelle technique – Baselitz des années 60, alors que

« Drapeau au vent sur la ligne de front », c’est le titre donné à l’exposition d’œuvres de Georg Baselitz des dix dernières années, « celles d’un jeune peintre de 71 ans à l’esprit farceur, parmi lesquelles figurent plusieurs Remix. »

« Les tableaux de Baselitz me font face comme pour me défier, avec leur brutalité de conception et d’exécution. Ils sont, bien souvent, trop indociles, trop imprévisibles pour s’installer tranquillement (ou logiquement) dans un style donné, à la manière d’un fleuve dans sont lit, et se laisser porter gentiment. Ils semblent bizarrement se gêner les uns les autres. Ils ont tendance à se bagarrer entre eux, et avec moi. Du fait de leur agressivité, ils me mettent mal à l’aise parce que je ne peux pas me reposer quand je les regarde… » Rudi Fuchs, Sur Baselitz, Georg Baselitz, cat Musée d’art moderne 1996-1997.

Son oeuvre est faite d'une peinture violente qui rejette l'harmonie et l'équilibre au profit de l'asymétrie de l'outrance, d'une sculpture en bois à peine dégrossie, faite à la hache, comme un rappel des bûcherons que l'artiste figure dans ses toiles...(Itzhak Goldberg - Extrait du texte du catalogue de l'exposition).

Dans les années 60, alors que Beuys réhabilite l'art allemand en le lançant dans le courant conceptuel, vingt ans avant la génération des "nouveaux fauves", Georg Baselitz réinvente une peinture de la figure humaine. POrtrait d'un des artistes les plus provocateurs de cette fin de siècle.

"J'exige tout de moi. Je n'exige à vrai dire rien des autres. Je ne travaille pas avec les autres. Je ne sais pas ce que font les autres". Malgré Hitler et le nazisme. Avec Goethe et Weimar. Dans les années 1970, alors que Beuys réhabilite l'art allemand, Georg Kern dit Baselitz, l'agresse et le violente. Alors que Wahrol et le Pop Art glorifient aussi bien Marylin Monroe que Coca Cola et Campbells, cet originaire de Haute Lusace, épanche ses pires instincts. Alors que les abstraits se vautrent dans leurs taches et leurs dégoulinades, l'artiste ne cesse de travailler la figure et quel corps. Sa peinture entre dans les musées ? La sculpture le prend et le dévore. Plus le terrain apparaît balisé, plus ce démon du pinceau, réplique et s'interroge. Peintre de la solitude et du questionnement, mais surtout du défi et de l'opposition, il élève l'art du "contre" comme un étendard au-dessus de l'Allemagne bon chic bon genre d'Adenauer et de Brandt. Et brouille, désoriente, rompt, choque, angoisse. En "killer". Qu'importe ! Ce dernier cracheur de feu de cette peinture fin de siècle a tout pris, chamboulé et tourneboulé. Pour l'amour du risque. Sexe, anamorphoses et renversements. Avec Baselitz, rien ne va plus !

Ses Remix qui, à partir des années 2 000, revisitent les toiles de sa première période : fragments de corps et hommes au sexe démesuré des débuts (dont l’exposition en 1963 lui vaudra un procès),

Force est de l’admettre : les artistes allemands contemporains n’ont pas la cote en France si l’on excepte Anselm Kiefer (sollicité successivement par le Grand Palais, le Louvre et plus récemment par l’Opéra de Paris) dont le choix, il y a quinze ans, de vivre en France a très certainement contribué à sa notoriété. Que Georg Baselitz s’installe pour l’été dans un musée français relève donc de l’événement, sa dernière exposition remontant à 1996. C’était au Musée d’art moderne de la ville de Paris. L’Hôtel des arts de Toulon, dans le sud, invite donc le peintre allemand jusqu’au 27 septembre et l’escale varoise mérite le détour à la fois pour mesurer l’évolution de son travail depuis ses débuts dans les années 1960 et pour découvrir les derniers travaux d’un homme toujours sur la brèche.

Hôtel des arts

centre d'art du conseil général du var

Le centre d'art

Construit au cœur de la ville, au début du XXe siècle, le bâtiment fait partie intégrante de la vie toulonnaise. Il a été le siège de la sous-préfecture puis est devenu l'Hôtel de la Présidence du Conseil général du Var.

Depuis 1999, le bâtiment abrite le centre d'art du Conseil général dénommé Hôtel des Arts. Situé dans le centre ville de Toulon, ce centre d'art dispose de 400m² de surface d'exposition répartie en 9 salles sur deux étages.

Chaque année, l'Hôtel des Arts présente cinq expositions dans les domaines des arts plastiques notamment la peinture, la sculpture, la photographie, l'art vidéo et des installations.

Autour des expositions, l'Hôtel des Arts propose à tous les publics des actions de sensibilisation à l'art (ateliers, visites commentées, parcours à la carte, rencontres...), édite des catalogues d'exposition, constitue une collection d'œuvres d'art et un centre de ressources documentaires, crée et participe à des événements culturels (journées du patrimoine, nuit des musées, week-end musées Télérama...) et présente deux expositions Hors les Murs par an dans le département du Var.

Publié par philippelamiral à 08:57:55 dans EXPOSITIONS | Commentaires (1) | Permaliens

SUZANNE VALODON - MAURiCE UTRiLLO | 29 juillet 2009

La Belle Gabrielle Montmarte" Maurice Utrillo

Gouache et crayon sur carton, 23,8 x 31,4 cm

Suzanne Valodon - Maurice Utrillo

à la Pinacothèque de Paris

du 27 février au 15 septembre 2009

Utrillo, Valadon et Utter en 1919

"Le Lapin Agile" 1912, Maurice Utrillo, huile sur toile, 50 x 60 cm

La Pinacothèque de Paris organise l’exposition "Suzanne Valadon – Maurice Utrillo : au tournant du siècle à Montmartre", de l’impressionnisme à l’Ecole de Paris, du 27 février au 15 septembre 2009. Cette exposition présentera une centaine d’œuvres de la période blanche d’Utrillo ainsi qu’une sélection des œuvres de Suzanne Valadon issues des collections privées et de musées. Un face à face mère-fils autour d’une même passion : la peinture.

L'exposition présentera une centaine d’œuvres de la période blanche d’Utrillo ainsi qu’une sélection des œuvres de Suzanne Valadon issues des collections privées et de musées.

"Eglise de Pont-Saint-Martin (Loire-Atlantique) [Eglise de banlieue clocher de village]" vers 1917-1918, Maurice Utrillo, huile sur carton, 60 x 81 cm, centre Georges Pompidou, Paris

Ce « couple » atypique est au centre de tout un univers artistique qui est à cheval entre deux périodes, entre deux mondes, véritable parallèle entre l’impressionnisme et l’art moderne. Suzanne Valadon ( 1865-1938), femme au caractère affirmé à su trouver sa place dans un univers d’artiste presque exclusivement masculin. Modèle occasionnel elle posa pour Puvis de Chavannes, Renoir, Toulouse-Lautrec, Degas, ce dernier l’encourageant vivement à poursuivre sa vocation artistique. Mère à 18 ans, elle transmettra sa passion à son fils naturel Maurice Utrillo.

"Femme aux seins nus" ou "Autoportrait" 1917, Suzanne Valodon

Huile sur toile, 65 x 50 cm, collection privée

Maurice Utrillo (1883-1955) toujours associé à la bohème parisienne à cause de son existence excentrique doit avec la période blanche (1910-1914) être rattaché beaucoup plus au Fauvisme qu’à l’Ecole de Paris. C’est au cours de cette grande période qu’Utrillo va exprimer la quintessence de son art en quelques années. L’échange particulier qui exista entre cette mère et son fils se traduit dans leur amour commun de la peinture et leur admiration réciproque.