A travers les oeuvres ou les écrits d'artistes d'hier et d'aujourd'hui, chercher à comprendre leur démarche artistique et à interroger le protocole créatif de ces artistes. 

http://www.artabus.com/lamiral 

"Apôtre" 1996, Roger Edgar Gillet
Huile sur papier marouflé sur toile, 36 x 46 cm

 "Pour apprécier une oeuvre, il faut la toucher, sentir les coups de pinceaux donnés par l'artiste, pouvoir ressentir les émotions du peintre lorsqu'il peignait..."

 Roger Edgar Gillet

Souvent comparé à Daumier, Gillet affectionne les couleurs terreuses et blafardes, le travail de la matière picturale (on a parlé à son égard de « matiérisme »), une certaine forme d'expressionnisme.

"Réserve" Canada, 1988, Christian Boltanski, installation

Vue de l'exposition au Musée de Grenoble en 1991

Une œuvre qui joue avec les codes du monumental risque toujours d’apparaître trop autoritaire, trop ambitieuse, voire trop politique. Dans un contexte où les artistes n’ont plus à commémorer les pouvoirs en place, mais où, au contraire, on attend d’eux une part subversive, il apparaît difficile de travailler dans le monumental. Plusieurs artistes ont su contourner la difficulté en étant, par exemple, massif et minimal (Richard Serra et Tilted Arc, 1981), conceptuel (Jochen Gerz et Monument contre le racisme, 1993) ou même kitschissime (Jeff Koons et Puppy, 1992). Une des manières de contournement des pièges du monumental a été pour Christian Boltanski l’introduction dans son travail du vêtement à partir de 1988. Le vêtement déjà porté, en grande quantité, suspendu dans les airs, en tas ou rangé dans des étagères, devient un matériau porteur d’une charge critique et émotionnel sans précédent.

La référence implicite fait trembler. On pense immédiatement aux tas de vêtements des juifs déportés, montagne de monceaux muets et criants d’horreur. Christian Boltanski déplace la référence et nous convoque à une réflexion sur notre propre rapport à la trace, aux vestiges. Chaque vêtement est une mémoire, une absence de corps rendue manifeste : à grande échelle, c’est une vacuité paradoxale qui nous fait face, un charnier sans personne. Le monument perd toute fonction grandiloquente ou apologétique : il devient – par le seul usage d’un matériau éphémère, poussiéreux, voire odorant – un espace d’intimité et de larmes.

13 janvier 2010 – 21 février 2010

Christian Boltanski photographié par Didier Plowy

Christian Boltanski dans la nef du Grand palais

Confrontation artistique de très grande ambition, MONUMENTA invite chaque année, à l’initiative du ministère de la Culture et de la Communication, un artiste contemporain de renommée internationale à investir les 13 500 m² de la Nef du Grand Palais avec une œuvre magistrale spécialement conçue pour l’occasion.

Après le succès des deux premières éditions de MONUMENTA, confiées à Anselm Kiefer en 2007, puis au sculpteur américain Richard Serra en 2008, qui attirèrent chacune plus de 140 000 visiteurs en cinq semaines, c’est Christian Boltanski, l’un des plus grands artistes français, qui relève le défi en 2010. L’exposition est coproduite par le Centre national des arts plastiques, le Grand Palais et la Réunion des musées nationaux.

Né en 1944, Christian Boltanski développe depuis les années 1970 une carrière internationale qui le place au premier rang de la création contemporaine. L’installation inédite qu’il propose pour MONUMENTA 2010 est conçue comme une expérience frappante, à la fois physique et psychologique, un moment d’émotion spectaculaire qui questionne la nature et le sens de l’humanité. Investissant l’ensemble de la Nef, il crée un lieu de commémoration visuelle et sonore d’une densité exceptionnelle. L’œuvre engage une réflexion sociale, spirituelle et humaine sur la vie, la mémoire, la singularité irréductible de chaque existence, mais aussi la présence de la mort, la déshumanisation des corps, le hasard de la destinée. A cette installation il donne le nom évocateur de Personnes.

Œuvre visuelle, mais aussi sonore, l’installation inédite réalisée pour le Grand Palais aborde un thème nouveau pour l’artiste, qui poursuit sa réflexion sur les limites de l’humanité et la dimension essentielle du souvenir : la question du destin et de l’inéluctabilité de la mort. Conçue comme une œuvre unique, qui transforme l’ensemble du bâtiment par la création d’une ambiance particulièrement émouvante, l’installation s’offre au visiteur comme un gigantesque tableau animé. L’œuvre Personnes est une création à caractère éphémère. Selon la volonté de l’artiste, les éléments qui la constituent seront recyclés à l’issue de l’exposition. Les oeuvres de Christian Boltanski s’adressent à tous, elles interpellent et ébranlent. Sous la Nef du Grand Palais, le visiteur oublie toute référence muséale, il fait corps avec la scène vivante de l’art et de la mémoire. L’artiste, selon Boltanski, est celui qui dévoile au spectateur « une chose qui était déjà en lui, qu’il sait profondément ; il la fait venir à hauteur de la conscience ». Théâtre de la remémoration, MONUMENTA 2010 questionne le sens de la destinée humaine et affirme la place faite à chacun dans la mémoire collective.

Dans le cadre de MONUMENTA, Christian Boltanski poursuit la collecte d’enregistrements de battements de cœurs qu’il a engagée pour la réalisation des Archives du cœur. Les visiteurs sont invités à enregistrer le son des battements de leur cœur et d’en faire don à l’artiste.

La Délégation aux arts plastiques veille à la production de l’œuvre et, afin que le plus large public puisse y avoir accès, a demandé au Centre national des arts plastiques de mettre en place une politique de médiation engagée visant à développer un vaste dispositif d’accueil et d’accompagnement des publics.

Des médiateurs spécialisés accueillent et orientent gratuitement les visiteurs individuels dans un souci constant d’échanges et de dialogue. Le public scolaire est l’objet d’une attention particulière. De nombreux formats de visites et d’ateliers, du CM2 au lycée, sont élaborés en partenariat avec diverses institutions et l’Éducation nationale. Ce dispositif propose ainsi des approches variées, en cohérence avec le socle commun des connaissances et les programmes scolaires.
Dans un véritable souci d’éducation artistique, les clés de compréhension de l’œuvre sont données aux élèves au travers d’ateliers de pratique théâtrale et d’ateliers d’écriture. Le rapport à la mémoire collective et individuelle, la création d’identité ou encore l’expression de l’humanité par la fiction sont autant de pistes explorées avec les élèves au cœur de l’exposition. Plus que jamais, favoriser la rencontre de tous les publics avec les grands artistes vivants est, dans le cadre de cette manifestation singulière, une priorité du ministère de la Culture et de la Communication.

"Smoke" 2009, Daniel Clarke
Acrylique sur papier marouflé sur papier
130 x 97 cm

Daniel CLARKE

J'ai passé une nuit entre la couleur et le papier

Galerie Françoise Besson à Lyon

Du 5 décembre au 31 janvier 2010

La galerie Françoise Besson présente une monographie composée de peintures, de dessins, et de sculptures réalisés en 2008 ou 2009 par Daniel Clarke.

L’exposition intitulée "J’ai passé une nuit entre la couleur et le papier" doit permettre de rendre lisible les ancrages du travail pictural de Daniel Clarke : aussi bien l’iconographie familiale et autobiographique qui individualise son rapport à la peinture, que l’héritage formel tiré de sa connaissance du mouvement californien qui a renouvelé la peinture figurative dans les années 1950-1960, appelé « Bay Area Figurative Movement ».
Mais cet accrochage a également pour ambition de présenter les évolutions récentes du travail de Clarke, les variations qui en animent les structurent, et les préoccupations qui caractérisent sa relation au médium depuis quelques mois.

J’ai passé une nuit entre la couleur et le papier est un événement important qui introduit une nouvelle collaboration entre la galerie Françoise Besson et une galerie berlinoise, qui exposera en 2010 la peinture de Daniel Clarke.

"Celui qui cycliste" 2002, Jean-Michel Alberola
huile sur toile, 100 x 81 cm 

Jean Michel Alberola

Du 09 janvier au 27 février 2010

GALERIE DANIEL TEMPLON,  Paris

Après une année 2009 marquée par trois importantes rétrospectives en province et à la BNF, l'artiste pluridisciplinaire Jean-Michel Alberola revient à la Galerie Templon avec un ensemble inédit de tableaux, oeuvres sur papier, néons et murs peints.

Echappant à toute école ou mouvement théorique, Jean-Michel Alberola poursuit depuis presque trente ans une œuvre unique, protéiforme, qui combine figuration, abstraction et conceptualisme. Interrogeant le rôle de l'artiste, le statut de la peinture et de la figuration, Jean-Michel Alberola revendique une liberté absolue de forme et de propos.

Au début des années 1980, Jean-Michel Alberola s'est fait connaître par la figuration libre et le retour à la « peinture cultivée ». Ses oeuvres sont empreintes de paroles ambiguës, de prophétie provocatrice ou de mot duchampien. Ses anatomies de corps, entre effacement et abstraction, laissent deviner des personnages ou des géographies. Comme l'analyse Lóránd Hegyi, directeur du Musée d'Art Moderne de Saint-Etienne, «L'art subtil, intelligent, poétique de Jean-Michel Alberola nous offre ces paradigmes qui, au-delà de la mélancolie et de l'espoir, de la critique et de l'utopie, dévoilent la réelle fragilité de l'être humain. »

A 56 ans, Jean-Michel Alberola compte parmi les artistes les plus reconnus de la scène française. Ces dernières années, ses œuvres ont été présentées dans de nombreuses expositions notamment à la Bibliothèque Nationale de France (2009), à la Maison Hermès de Tokyo (2009), au Musée des Beaux-Arts de Nancy (2008), au Musée d'Art Moderne de Saint-Etienne (2008), à la « Force de l'art » (2006) et au Musée du Louvre (2005). Son travail est présent dans de nombreuses collections internationales, notamment le Centre Georges Pompidou, le Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, le Carré d'Art de Nîmes, les Abattoirs de Toulouse, le Fonds National d'Art Contemporain, le Ludwig Museum im Deutschherrenhaus de Coblence (Allemagne), le Museum de Pont de Tilburg (Pays-Bas), le Berardo Museum de Lisbonne (Portugal).
Le prochain grand projet de Jean-Michel Alberola est en cours de réalisation au Japon. Il y tourne un film sur la vie d'un petit village au gré des quatre saisons. Le film est tourné en partenariat avec Arte et sera diffusé sur cette même chaîne au courant de l'année 2010. 

"Papeete-Tahiti, Nice" 1935-1936, Henri Matisse 

Huile sur toile, 225 x 172 cm, musée Matisse, Nice

"J’ai aussi derrière moi un grand voyage à Tahiti, entrepris pour me délasser ; j’y ai beaucoup vu. Je n’avais emporté avec moi ni pinceau ni toile, et je n’ai peint aucun tableau. Je ne peux pas travailler au milieu des constantes surprises d’un voyage. Je pressentais ce qui m’attendait. Tout le voyage a été une continuelle surprise : la lumière et les couleurs, telles que je ne les avais jamais vues auparavant. Et pourtant, je vis depuis des années dans le sud. De telles couleurs ne peuvent devenir fertiles que dans le souvenir, quand on les a mesurées à nos propres couleurs. J’espère que quelque chose va en passer dans ma peinture, plus tard. "

Henri Matisse

Entretien avec Gotthard Jedlicka, Paris, juin ou juillet 1931, extrait de « Autres propos de Henri Matisse », réunis par D. Fourcade, 

Macula, n°1, 1976.

"Rivage,  Polynésie Française" 1930, Henri Matisse, photographie tirage argentique,

Photothèque du centre de documentation, Musée Matisse, NiceParmi les photographies conservées dans le fonds photographique du musée Matisse de Nice, celles prises par Matisse à Tahiti, durant son séjour de trois mois en 1930, sont un témoignage irremplaçable. Elles révèlent la manière dont Matisse a observé les paysages de Tahiti et le souvenir qu’il a voulu en garder. Ce séjour est une révélation quant au sentiment d’espace, mêlant le ciel et la mer.

Durant son séjour dans les îles, Matisse ne travaille pas. Il réalise quelques pochades et dessins, mais prend surtout des photographies. L’espace polynésien, le ciel et la mer l’ont entraînés à une vie contemplative, dont les souvenirs, plusieurs années après, seront à l’origine de nouvelles créations.

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